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Die Grateful Dead sind eines der großen amerikanischen Abenteuer – eine Outlaw-Band von der psychedelischen Grenze der Haight-Ashbury-Straßen, die alles auf ihre eigene Art und Weise machten. Die Magie, die sie jeden Abend auf der Bühne schufen, improvisiert ohne Netz und ohne Setlist, war eine freischwebende 30-jährige Zusammenarbeit mit ihrem Publikum. Genau deshalb ist die Musik der Dead so ungebrochen lebendig – heute mehr denn je. Wie Jerry Garcia ROLLING STONE 1971 sagte: „Wir versuchen, uns an einen Ort zu führen, wo wir mehr Musik werden können.“
Die Dead haben schon immer eine besondere Verbindung zu ROLLING STONE gepflegt, und unsere Geschichten sind untrennbar miteinander verwoben. Die Band und das Magazin entstanden beide in den aufgewühlten Tagen San Franciscos der Sechzigerjahre und verweigerten dem Establishment die Gefolgschaft. In unseren Seiten verfolgte ein Großteil der Welt die Schelmenreise der Dead aus der Ferne – noch vor dem Internet und dem Tape-Trading-Netzwerk –, von Garcias epischen Interviews bis zu unseren ikonischen Fotos. Und beide schafften es, sich über die Jahrzehnte weiterzuentwickeln und dem Geist des Nicht-Verblassens treu zu bleiben.
Die Dead schenkten der Welt ein wunderschön chaotisches Musikwerk und verlangsamten ihr Tempo nie so weit, dass man sie hätte festnageln können. Feiern wir das also mit unserer Hommage an die 100 besten Songs der Grateful Dead. Alles ist hier vertreten: ihre Rock-Schreier, ihre Balladen, ihre hirnschmelzenden elektrischen Jams, ihre Country-Folk-Hoedowns, ihre jazzigen Ausflüge, ihre Coverversionen. Und ein paar dieser Songs waren sogar Hits – wenn auch nie mit Absicht.
Einige dieser 100 Stücke sind Klassiker aus dem Garcia/Robert-Hunter- oder Weir/John-Perry-Barlow-Songbook; andere sind Traditionals, älter als jedes Bandmitglied. Gemeinsam ist ihnen allen, dass die Dead diese Songs jeden Abend woandershin trugen. Wir veröffentlichen unsere Liste während der Days Between, einer heiligen Zeit für Deadheads, die den Zeitraum zwischen Garcias Geburtstag (1. August) und seinem Todestag (9. August) ehrt. Zusammengestellt wurde die Liste durch eine Abstimmung unter langjährigen Dead-Fans. Wer abgestimmt hat, ist hier nachzulesen.
Die Grateful Dead unternahmen die längste, seltsamste Reise im Rock und luden die Welt ein, Show für Show, Song für Song mitzukommen. Jerry Garcia, Bobby Weir, Phil Lesh, Bill Kreutzmann, Mickey Hart, Ron „Pigpen“ McKernan, Donna Jean und Keith Godchaux sowie so viele ihrer Weggefährten – sie erzählten ihre Geschichte im Gehen, ohne je zu ahnen, dass sie über die Jahrzehnte immer größer und verrückter werden würde. Doch dank der Musik, die sie schufen, wird ihre Geschichte niemals enden. Und wie die weinende Weide am Flussufer wird sie wachsen, wachsen, wachsen.
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100
‘Drums/Space’
1978
Als Startrampe für unzählige interstellare Reisen hinter geschlossenen Lidern und ungezählte Sprints zu den Stadionduschen und Bierständen ist das im zweiten Set gespielte, frei improvisierte Schlagzeug-Instrumental-Jam für immer als „Drums>Space“ bekannt – ein willkommener Fixpunkt der Dead-Konzerte, der den Status eines eigenständigen Songs verdient. Tatsächlich sei es „zu einigen der abgefahrensten Momente der Grateful-Dead-Musik geworden“, wie Kreutzmann in seinen Memoiren schrieb. Klar, Drumsoli und spacige Improvisationen gab es schon seit ’68. Doch erst Anfang ’78, als Hart wieder mit von der Partie war, wurde „Drums>Space“ zum festen Bestandteil – ein vielarmiges Ungetüm aus Beats, geformt mit Schlaginstrumenten aus aller Welt und zunehmend auch mit Elektronik. Manche Heads behaupten, die späteren „Drums>Space“-Versionen, selbst die jüngsten Dead-&-Company-Ausflüge, hätten die des 20. Jahrhunderts übertroffen – was nur beweist, dass die besten Dead-Songs damals wie heute die sind, die Verstand und Herz weit aufsprengten. —Will Hermes
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99
‘I Need a Miracle’
1978
Der Titel des Side-Two-Openers von „Shakedown Street“ wurde zu einem geflügelten Wort im Deadhead-Lexikon. Ein „Miracle“ stand für ein kostenloses oder extra Ticket für eine Dead-Show. Wer kein Ticket hatte, streckte einen Zeigefinger in die Luft, bastelte vielleicht ein Schild und hoffte auf das Beste. Das Miracle-Konzept wird am Ende mit einem Gospel-Refrain ausgelotet, der den Titel wiederholt und „Everyday“ anfügt. Doch die Zeilen davor – von Barlow verfasst – sind echte Kopfnüsse: Ein Mann sucht eine Frau, die „etwa doppelt so alt“, „etwa doppelt so groß“ und schließlich „etwa doppelt so schwer“ ist wie er – „eine Tonne Spaß, die eine Kanone trägt, mitsamt ihrem ganzen Gepäck.“ Garcia liefert ein wendiges Mittelteil-Solo, und Matthew Kelly fügt Mundharmonika-Klagelaute hinzu, die des verstorbenen Pigpen würdig sind. —Steve Bloom
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98
‘Don’t Ease Me In’
1966
Ein weiteres Folk-Cover, das die Band zum Leben erweckte: Diese schwungvolle Ragtime-Nummer wurde 1928 erstmals von Henry Thomas, alias Ragtime Texas, für das Vocalion-Label aufgenommen. Sie gehörte zum Repertoire der Proto-Dead-Gruppe Mother McCree’s Uptown Jug Champions, und die Dead veröffentlichten sie 1966 als ihre erste Single (auf der B-Seite ein weiterer Jug-Band-Tune aus den Zwanzigern, „Stealin’“), beim kurzlebigen Scorpio Records. Großen Eindruck hinterließ das nicht. Doch sie holten eine aufpolierte Version für das 1980er-Album „Go to Heaven“ zurück ins Studio und brachten sie erneut als Single heraus. Auch diesmal blieb der Charterfolg aus. Aber der Song kehrte in die Live-Sets der Dead zurück und brachte das Haus zuverlässig zum Kochen – ein Grund, warum Dead & Company ihn über die Jahre zum Stammgast machten. —W.H.
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97
‘Dark Hollow’
1970
Dieser einsame Folk-Song wurde 1958 erstmals von Bill Browning mit seiner Bluegrass-Gruppe The Echo Valley Boys aufgenommen, doch die Dead könnten ihn tatsächlich von der britischen Gruppe Pentangle gelernt haben, die eine Variante namens „Cold Mountain“ spielten, als sie 1969 bei einigen legendären Fillmore-West-Shows für die Dead eröffneten. Ab 1970 spielten sie ihr „Dark Hollow“, das sowohl akustisch als auch elektrisch ein Favorit war und auf dem Album „History of the Grateful Dead, Volume One (Bear’s Choice)“ sowie dem akustischen „Reckoning“ landete. (Es tauchte auch in Live-Sets von Garcias Bluegrass-Nebenprojekt Old and in the Way aus den Siebzigern auf.) Der Song saß so tief in der DNA der Dead, dass Hunter die Zeile „where the sun don’t ever shine“ in einem der letzten Dead-Songs aufgriff, dem wehmütig selbstreferenziellen „So Many Roads“. —W.H.
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96
‘Alligator’
1968
Mit seinem knurrenden Gitarrenton, dem schrägen Akkordverlauf und dem Kazoo-Intro gehört dieser Kracher aus „Anthem of the Sun“ zu den herrlich seltsamsten frühen Dead-Jams. Außerdem ist es der erste Song, in dem Hunters Texte zu hören sind. (Alligator war übrigens New-Orleans-Slang, gelegentlich abwertend, für einen weißen Jazz-Musiker.) Als einer von Pigpens größten Nicht-Covers – und mit Sicherheit sein wildester – war es ein früher Live-Dauerbrenner, den er so sehr zu seinem eigenen machte, dass die Band ihn nach seinem Tod nie mehr spielte, wenngleich er in späteren Dead-Revivalprojekten wieder auftauchte. Die Allman Brothers Band nannte die Dead der „Anthem of the Sun“-Ära stets als prägende Einfluss, und die gemeinsame DNA hört man in „Alligator“ deutlich – etwa in der Anspielung auf Donovans „There Is a Mountain“ nahe dem Höhepunkt des Jams, die zur Wurzel des Allman-Signature-Stücks „Mountain Jam“ wurde. —W.H.
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95
‘Greatest Story Ever Told’
1972
„Greatest Story Ever Told“ ist eine durchgeknallte biblische Fabel, in der Weir mit der Zeile beginnt: „Moses come riding up on a quasar.“ (Hunter hatte ursprünglich „on a guitar“ geschrieben, aber Weir änderte es ab.) Moses teilt schließlich Wein und Weisheit mit Gideon, Abraham und Isaak. Es ist einer der Klassiker, mit denen die Dead bei ihrer berühmten Show am 18. Februar 1971 im Capitol Theater in Port Chester, New York, debütierten – in derselben Nacht, in der sie auch „Bertha“, „Playing in the Band“, „Loser“ und „Wharf Rat“ vorstellten. (Es war zudem Harts letzter Auftritt für drei Jahre.) „Greatest Story“ wurde zum Glanzstück auf Weirs Solo-Juwel „Ace“ sowie auf Harts „Rolling Thunder“ unter dem Namen „The Pump Song“. Doch die Dead liebten ihn – sie wählten diesen Song, um die erste Show ihrer Europa-Tournee ’72 zu eröffnen. —Rob Sheffield
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94
‘Believe It or Not’
1999
Im Sommer 1988 begannen die Dead, die ersten Songs für ihr letztes Studioalbum „Built to Last“ zu erarbeiten. Anders als „Foolish Heart“, „Blow Away“ oder auch Weirs lange gereifte „Victim or the Crime“, die alle regelmäßig gespielt wurden, fand diese späte Garcia-Hunter-Ballade nie wirklich ihren Platz und wurde insgesamt nur sieben Mal gespielt. Die Band setzte sie kurzzeitig an die ihr zugedachte Stelle als gefühlvolles Garcia-Stück nach „Drums/Space“, doch Garcia soll sich mit dem rohen Sentiment des Songs nicht ganz wohl gefühlt haben. Schade, denn der Tune – schließlich 1999 auf der Box „So Many Roads“ veröffentlicht – hat den Charme eines Country-Klassikers, mit Texten, die Hunter als „reminiscent of the kind of stuff I remember hearing coming from tavern jukeboxes in 1948, when my father would stop in to have a few while I waited out in the car“ beschrieben hat. —Dean Budnick
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93
‘We Bid You Goodnight’
1969
1968 begannen die Dead, ihre Shows mit einer Version des traditionellen bahamaischen Begräbnislieds „I Bid You Goodnight“ zu beschließen, das sie von Joseph Spence und der Pindar Family auf einer in Folk-Kreisen populären Sammlung karibischer Musik gehört hatten. Auf „Live/Dead“ dauert es knapp 40 Sekunden, doch es entwickelte sich in den folgenden Jahren zu einem psychedelischen A-cappella-Jam – ein Ritual ihrer Sets, das sich auf dreieinhalb hinreißende Minuten ausdehnte, während das jubelnde Publikum mitklatschte. Rund 20 Jahre lang spielten sie „We Bid You Goodnight“ nur selten, ehe sie es Ende der Achtziger wiederbelebten und damit ganze Stadien verzückter Deadheads nach Hause schickten, die mit „Live/Dead“ aufgewachsen waren und es wie eine Hymne eines geliebten Klassikers begrüßten. —Jon Dolan
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92
‘Mr. Charlie’
1972
Ein Live-Dauerbrenner der Dead in den frühen Siebzigern – vor Pigpens Tod 1973 –, der nie auf einem Studioalbum erschien, aber durch seine Aufnahme in die Europa-Tournee und das LP-Set „Europe ’72“ bekannt wurde. Die Band spielte ihn bei jeder dieser Europa-Shows, doch der Begriff „Mr. Charlie“ ist eine amerikanische Wendung, die von Sklaven verwendet wurde, um den Boss oder den Plantagenbesitzer zu bezeichnen. In Hunters Lyrics scheint der Protagonist für den Mann zu schuften. „Gonna scare you up and shoot you“, knurrt Pigpen. „’Cause Mr. Charlie told me so.“ Gespielt als Shuffle, liefert Garcia ein bluesiges Solo, und Pigpen schließt mit der nachdrücklichen Wiederholung: „Mr. Charlie told me, Mr. Charlie told me so.“ —S.B.
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91
‘Alabama Getaway’
1980
Als sie ihn 1980 für „Go to Heaven“ ins Studio brachten, war „Alabama Getaway“ bereits auf der Straße erprobt. Tatsächlich war er zu einem der Rennpferde der Gruppe geworden: Die Live-Versionen von Ende ’79 zeigten die Dead, wie sie Soli mit Aplomb hin und her warfen. Das Album markierte die Rückkehr der Dead ins Studio nach zwei Jahren, und die Vorgaben des AOR-Formats hatten sich gegenüber der Freiheit der frühen Siebziger erheblich verengt. „Alabama Getaway“ spiegelte diesen Wandel wider. Der Song war verblüffend radiokompatibel und druckvoll, mit eingängigen Orgel-Swells, die satt im Mix lagen. Er erreichte Platz 68 der Hot 100, blieb aber bis zum Ende im Repertoire. —M.M.
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90
‘Viola Lee Blues’
1967
Vor „Dark Star“ und „China Cat > Rider“ war dies das Jam-Vehikel schlechthin der Dead – man sieht sie damit im Film „Petulia“ von ’68 loslegen, während die Lightshow blubbert und die Hippies frug tanzen. Mit ihren kräftigen Zugwrack-Harmonien neu aufbereitet, ist es ein Cover eines akustischen Nuggets der späten Zwanziger von Cannon’s Jug Stompers, einem Touchstone der frühen Dead, die auch deren „Big Railroad Blues“ und „Minglewood Blues“ aufgriffen (letzteren umgebaut zum doppelt entfernten „New, New Minglewood Blues“). „Viola Lee“ war immer ein Partyauftakt. Beim wegweisenden Monterey International Pop Festival 1967 eröffnete die Band mit einer 14-minütigen Version, nachdem Weir dem Publikum zugerufen hatte: „You know what the foldin‘ chairs are for, don’t you? They’re for foldin‘ up and dancin‘ on!“ Und Phish-Fans erinnern sich vielleicht an eine rasende Version vom 17. September 1999 mit den duellierenden Bässen von Lesh und Mike Gordon. —W.H.
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89
„Till the Morning Comes“
1970
Ein weiterer Song, der seinen Titel mit einem Neil-Young-Stück teilt (siehe „Comes a Time“): Die Dead spielten diesen Deep Cut live nur fünf- oder sechsmal. Schade, denn sein Vollgas-Boogie-Tempo und die saftigen CSNY-Harmonien erhellen die zweite Seite von „American Beauty“ wie ein Feuerwerksblüte und hätten hippieske Röcke gewiss zum Drehen gebracht. Im 21. Jahrhundert bekam der Song endlich seine verdiente Aufmerksamkeit, wiedergeboren in Sets von Furthur und anderen späteren Dead-Projekten – freilich ohne den Vorteil von Garcias süßem hohen Tenor im Mix. Hunters zottelige Lyrics („’til we all fall down …“) spielen mit dem Kinderreim „Ring Around the Rosie“, ein Kunstgriff, den Weir und Barlow später einprägsam in ihrem apokalyptischen „Throwing Stones“ wiederholten. —W.H.
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88
‘It Hurts Me Too’
1972
Erstmals geschrieben und aufgenommen vom Bluesman Tampa Red im Jahr 1940 und durch Elmore James geprägt, der ihn mehrfach einspielte und 1963 einen Hit damit hatte, ist „It Hurts Me Too“ einer der beliebtesten und meistgecoverteten Blues-Songs überhaupt. Er wurde zum Dead-Dauerbrenner, ein träger Blues, gesungen von Pigpen, der auch Mundharmonika dazu spielte, beginnend 1966. Die schmerzlich-einsame Version mit Keith Godchauxs Piano-Fills, die ihn von hinten anstacheln, die die Band auf „Europe ’72“ veröffentlichte, war eine der letzten von Pigpen – und der Band. Als er 1973 starb, zogen sie die Nummer aus dem Verkehr. —Michaelangelo Matos
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‘Death Don’t Have No Mercy’
1969
Garcia hätte niemals das knochenerschütternde Schreien erreichen können, mit dem Reverend Gary Davis diesen Song in seiner Originalversion von 1960 vortrug. Aber Davis‘ geradlinige Lyrics lassen einem Sänger viele Möglichkeiten, und Garcias schmerzliche Empathie – vom Flüstern bis zum Aufschrei – brachte sie mit tiefer Hingabe zum Ausdruck. Ebenso sein beißender Gitarrenton: Die „Live/Dead“-Version, Anfang 1969 aufgenommen, enthält einige von Garcias eindringlichsten Blues-Passagen, sowohl gitarristisch als auch gesanglich. —M.M.
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‘Saint of Circumstance’
1980
Weir gab an, dass ihm die mitreißende letzte Strophe von „Saint of Circumstance“ einfiel, während er ein unerwartetes Gewitter auf einem Berg in Wyoming erlebte. Sein Gefühl von Hochstimmung, verwoben mit dem unergründlichen Wirken der Natur, floss in den Song ein, den er mit Barlow schrieb. „Saint of Circumstance“ begann sein Dasein als jüngerer Zwilling von „Lost Sailor“, das früher in derselben Session fertiggestellt und live einige Wochen vor „Saint“ im August 1979 uraufgeführt wurde. Beide Stücke referenzieren den „Hundestern“ Sirius und schildern gemeinsam eine Reise, die inmitten stürmischer Bedingungen beginnt und schließlich ekstatischen Sinn findet. Die Songs wurden auf „Go to Heaven“ und dann im Konzert so konsequent nebeneinandergestellt, dass „SailorSaint“ unter Deadheads zur gängigen Bezeichnung wurde – bis Weir den ersteren Song im März 1986 aus dem Verkehr zog. „Saint“ brach daraufhin zu ausladenden Soloexkursionen auf und baute typischerweise früh im zweiten Set Fahrt auf. —D.B.