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Weezer hatten schon immer ein Faible für Konzeptalben – ob sie sich die „Beach Boys gone bad“ vorstellten (2017: „Pacific Daydream“), geliebte Radiohits der Vergangenheit einspielten (2019: „The Teal Album“), ihre quasi-sensible Seite erkundeten (2021: „OK Human“) oder den Achtziger-Metal-Göttern huldigten (ebenfalls 2021: „Van Weezer“). Für ihr 20. Album, technisch gesehen selbstbetitelt, aber auch als „The Gold Album“ bekannt, ist das Konzept zugleich hochgradig ironisch und herrlich geradlinig: eine Weezer-Platte, die klingt wie eine klassische Weezer-Platte. „There’s something special about your early shit“, intoniert Rivers Cuomo – gleichzeitig zwinkernd und mit dem Herzen auf der Zunge – zu Beginn von „C.E.O.“, einer Highlight-Hymne, die unverkennbar ihrem eigenen Klassiker „Undone (The Sweater Song)“ von 1994 verpflichtet ist. Das Sentiment bereitet den Boden für eine Platte, die oft ahnen lässt, was hätte sein können, wäre die Band 1995 mit einem Übergangsalbum zwischen ihrem Debüt „The Blue Album“ (1994) und dem Emo-Meisterwerk „Pinkerton“ (1996) herausgekommen. Weezers „Gold“ ist, kurz gesagt, reines Weezer-Gold.
Die Band beschrieb den organischen Entstehungsprozess des Albums als „less talk, more rock“. Man hört, wie die emotionale Distanz, die ihre Musik oft prägt, auf dem Opener „Say Yes“ – der denselben Titel trägt wie ein Song der Indie-Folk-Ikone Elliott Smith von 1997 – allmählich abfällt. Cuomo beginnt in einem Sumpf aus zynischem Selbstzweifel: „Everybody here’s gonna make me feel so afraid/So I only think about how my ass is getting paid“, während der Rest der Band seine Unsicherheit mit einem trocken-bedrohlichen Schlingern untermalt. Doch dann hebt der Song in einen Chorus ab, der so eingängig ist wie große Weezer-Klassiker à la „Buddy Holly“ oder „The Good Life“ – mit Texten darüber, wie man das Ritual des Hinausschmeißens eines weiteren automatischen Alt-Rock-Bangers in eine Freudensbekundung verwandelt.
Dieses unbeschwerte Gefühl zieht sich durch das gesamte „Gold Album“. Zusammen mit Producer Kenny Beats – dessen Credits Rico Nasty, Vince Staples und Geeses „Getting Killed“ umfassen – klingt die Band garagenrockiger als gewohnt, verankert ihre Songs oft in satten, bassbetonten Gitarren, die eher nach Desert-Rock als nach Power-Pop klingen. Wenn sie auf „Don’t Make It Weird“ oder „Shine Again“ vom knurrenden Riff in den goldenen Chorus wechseln, trifft der Moment daher tiefer als auf einer durchschnittlicheren Weezer-Scheibe. Auf dem gefühlsbetonten „We Might as Well Be Strangers“ brennen und wimmern die Gitarren, während Rivers „debating Nietzsche“ auf „how much I need ya“ reimt und es gemeinsam mit der starken Sängerin Karly Hartzman von Wednesday herausbrüllt – einer der gefühlt unzähligen Bands, die im langen Schatten von Weezer aufgewachsen sind.
Mittelalterskrise als Songmaterial
Cuomo verbringt einen Großteil des Albums damit, eine Unentschlossenheit der Lebensmitte durchzukauen, die den Lebensweg seiner Fans widerspiegelt – das verleiht einem vertraut warmen Sound eine trocken-melancholische Note. „Hoops“ ist eine aggressiv-wütende Beschwerde, die mit „Bought a toaster just to make some toast/First I had to scan a QR code“ beginnt. Amen, Bruder. Auf „Nowhere“ liefert Cuomo den NIMBY-Protest „why did they clear the trees just to put up some shitbox condo?“ über einem wühlenden Fuzzgitarren-Riff – und landet damit eine der besten Cali-Rock-Kombinationen seiner viel gepriesenen Karriere: der Anti-Zersiedelungs-Geist von Joni Mitchells „Big Yellow Taxi“, gesetzt auf den weiträumigen Schlamm von Kyus.
Natürlich – bei einer Band, die selbstbewusste Selbstironie oft zu ihrem emotionalen Schutzraum gemacht hat – drehen sich die zentralen Momente des Albums darum, wie das Anzapfen ihres ureigenen Sounds Gefühle über den Rock selbst auslöst: Fühlt sich das noch echt an? Geht man nur noch durch die Bewegungen? Und macht dieser Unterschied überhaupt noch etwas aus? „C.E.O.“ stellt unschuldige Bilder vom Herumschrauben an der Gitarre im Teenagerzimmer der ehrlichen Realität gegenüber, für die Konzernbosse immer wieder dieselben Neunziger-Nummern rauszuhauen – und navigiert die Spannung zwischen seinen „Mad Professor“-Eskapaden und der Notwendigkeit, „keep the rocket in the sky“. (Der gewöhnliche Fan zu Hause darf gerne „Studiengebühren der Kinder“ oder „Altersvorsorge“ für „rocket in the sky“ einsetzen.) Er ist nicht der Erste, der diese Beobachtung macht, aber der vergoldete Grunge-Charme des Songs lässt die Botschaft haften.
Das abschließende „The L.A. Sound“ ist der nostalgische Coup de Grâce des Gold Albums. Geschrieben von Gitarrist Brian Bell, ist es eine herzliche Erinnerung daran, wie es ist, als Nachwuchsband lange Nachtfahrten im Van von einer miesen Klitsche zur nächsten zu schuften und ein Publikum Show für Show, Fan für Fan zu gewinnen. „We came to melt your face/We’re gonna torch this place“, singt die Band über das Art von gezuckertem Alt-Rock-Chugging, mit dem Weezer vor über dreißig Jahren groß wurden. Diese Band dreht seit „In the Garage“ – noch aus den „Blue“-Tagen – Rock-Rituale auf ihre eigene schräge Art und Weise, und sie tut es hier mit echter Zuneigung. Es stellt sich heraus: Weezer zu sein ist nach all den Jahren immer noch ein guter Look.