Con motivo del treinta aniversario del Macba, pedimos a su directora, Elvira Dyangani Ose (Córdoba, 1974), que eligiera las obras que para ella son o han sido más significativas. “Una empresa casi imposible”, a la que, no obstante, se entrega no sin advertir que “aquí se recogen pensamientos e ideas que estas obras me suscitan”, pero que si la pregunta fuese reformulada en cualquier otro momento tal vez cambiaría el orden o incluso las obras. “Existen muchísimas más, casi demasiadas, que ilustrarían el imaginario de un museo que tanto he disfrutado como espectadora y joven estudiosa del arte y desde hace algo más de cuatro años, como directora”. A la lista, y a modo de bonus track, añade Una pared de Luz Broto.
1.Jean-Michel Basquiat, ‘Self-portrait’, 1986
“El uso del retrato en la obra de Basquiat siempre tuvo un doble carácter. Por un lado, era un modo de reflexionar sobre sí mismo y sobre el imaginario limitante con el que un joven afroamericano como él podía ser descrito o percibido. Y, por otro, suponía un ejercicio de reclamo por una representación política y una justicia social, que, años después de las luchas por los derechos civiles en aquel país seguían —y siguen— sin consolidarse”.
2. Christian Boltanski, ‘Réserve de Suisses morts’ , 1991
‘Réserve de Suisses morts’, 1991, de Boltanski
Fundació Macba/Cristian Boltanski
“Atravesar esta obra en la presentación de la colección en 1996 causó en mi un impacto imborrable, aún más cuando leí la cartela explicativa que incluía una cita de Boltanski: ‘Hoy, morimos dos veces: una primera vez en el momento del fallecimiento, y la segunda cuando nadie te reconoce ya en una fotografía’”.
Lee también
Teresa Sesé
3. Yona Friedman, ‘Films d’animation’, 1960-1963
‘Yona Friedman: films d’animation’, 1960-1963
Colección Macba/Centre d’Estudis i Documentació
“Es una de las 17.000 obras de la colección que forman parte del archivo, en el que se incluyen libros de artistas y otros objetos que no se consideran obra de arte de por sí. Friedman, autor clave para artistas contemporáneos como Jordi Colomer – que reflejaron en sus X-Ville la posibilidad de una ciudad construida por sus habitantes como una utopía realizable—, desarrolló junto su mujer, la editora Denise Charvein, una serie de películas de animación basadas en cuentos africanos, entre los cuales figura Annalya tou Bari, que obtuvo el León de Oro en la 13.ª edición del Festival Internacional de Venecia como cine documental en 1962.
4. Claudia Andújar, ‘Sonhos Yanomami’, 2002
‘Sonhos Yanomami’, 2002, de Claudia Andujar
Claudia Andujar
“Esta obra poética, fruto de la investigación de Andújar llevó a cabo a lo largo de dos décadas, refleja su compromiso con la comunidad Yanomami de la cuenca del Río Catrimani. Mezcla de la superposición de fotografías y negativos, estos “sueños” revelan tanto la vulnerabilidad de ese pueblo como su resiliencia a través de rituales en los que distintos planos de existencia se entrelazan casi como la plasticidad de sus fotografías. Esta adquisición es muestra del interés del museo por reflejar estéticas y saberes ancestrales”.
Lee también
Teresa Sesé
5. Manolo Laguillo, ‘Nacimiento de la Diagonal’ , 1979
‘Nacimiento de la Diagonal’, 1979, de Manolo Laguillo
Manolo Laguillo
“O, cualquiera de las series de fotografías como evidencia histórica, que desde 1978 hasta 1979, descubrían Barcelona en un proceso de transformación. Como un organismo que otorgaba al fotógrafo la oportunidad de narrar esa ciudad que fue y que, quizás, sin su mirada, hubiera permanecido fuera del imaginario oficial”.
6. Onofre Bachiller, ‘Fotomatón’, 1987–2000
‘Fotomaton’, 1987-2000
Onofre Bachiller
“De la Barcelona más canalla a la más emotiva, quedaron para siempre capturadas en un álbum de un valor casi antropológico que nos presenta en unas 3.000 imágenes. El propio autor admitía que dichas instantáneas eran fruto del objetivo y de una escena que se generaba ante él, casi sin intervención”.
7. Janet Cardiff & Georges Bures Miller. ‘Crosscountry – Hornby Island to Kelowna’ , 2007
‘Crosscountry – Hornby Island to Kelowna’ , 2007, de Janet Cardiff & Georges Bures Miller
Janet Cardiff & Georges Bures Miller
”Reminiscencia de una de las que muchos consideran la mejor exposición del museo, The Killing Machine y otras historias. 1995– 2007, este trabajo recoge la visualidad pictórica de su obra, como recuerdo también de aquellos paseos que hicieron famosa la obra de Cardiff en los años noventa. En el Macba, durante su presentación junto a Miller en 2007, esos espacios quiméricos construyeron ámbitos sonoros y experienciales, en la que lo ocular-céntrico dejaba paso a una ofrenda al visitante que, en algunos casos, constituían escenarios habitacionales temporales o de profunda interactividad”.
8. Carles Pujol, ‘Caleidoscopi’, 1981
‘Caleidoscopio’, 1981, de Carlos Pujol
Colección MACBA. Depósito del Ayuntamiento de Barcelona. Donación Rafael Tous/Carles Pujol
“Es una de las dos obras que forman parte de nuestra colección. Es parte del Fondo de Rafael Tous, quien donó obras fundamentales de su colección de arte conceptual catalán al Macba y del que este año presentaremos un catálogo razonado. El Fondo -en el que figuran artistas como Francesc Torres, Pere Noguera, Alicia Fingerhut o Carlos Pazos- supone un desafío en la forma de coleccionar del museo que, como él, debería dedicarse a adquirir obra en profundidad de ciertos artistas. Quizás por ello, vuelvo mi mirada sobre Pujol, del que estamos desarrollando junto a Agustín H. Giner una investigación exhaustiva, como ejemplo del tipo de atención que creadores de su generación y su importancia deberían recibir de nuestra institución”.
Lee también
Teresa Sesé
9. Fina Miralles, ‘Standard’ , 1976 – 2020
‘Standard’, 1976/2000, de Fina Miralles
Fina Miralles
“La Premio Nacional de Artes Plásticas 2025 es una de las figuras clave del conceptualismo catalán, admirada sobre todo por su trabajo en diálogo con una naturaleza que la traspasa y la posee como ser. Pero quisiera destacar su transgresora performance Standard en la que, en 1976, maniatada, amordazada y sentada en una silla de ruedas observaba imágenes y pistas de audio sobre una feminidad normativa. Denunciaba las herramientas de cosificación de la mujer mediante ideologías, valores y creencias inducidas desde su nacimiento”.
Lee también
Teresa Sesé
10. Matt Mullican, ‘M.I.T Project, 1990–2009’
‘M.I.T. Project’, 1990-2009, de Matt Mullican
Matt Mullican
“Una de las piezas más icónicas de la colección, que además estará en exhibición de la Colección Macba a lo largo de este aniversario Treinta. La obra es una interpretación del mundo en la que el artista contrapone la elaboración de una cosmología a la vulnerabilidad de la existencia humana. Referencias al mundo material y la naturaleza, a la proximidad e inmediatez de las ciudades, al ámbito del conocimiento, o el de la espiritualidad. Todo ello constituye un imaginario de libre acceso para el visitante, que penetra así en un mapa de signos y significados que remiten a las estructuras internas del sujeto”.
Lee también
Teresa Sesé
11. Luz Broto, ‘Una pared, 2021/2022 – 2025’
‘La Pared’, intervención de Luz Broto
Aleix Plademunt
Si me permiten un bonus track, a esta lista añadiría… Los edificios que albergan museos de arte contemporáneo, tienen en su arquitectura una gestualidad que resume su propuesta estética e ideológica. El Meier no es ajeno a esto… sus rampas constituyen dos promesas de la razón occidental aplicada al museo —uno de sus aparatos coloniales, junto al censo y los mapas. Una inicia la ascensión desde el único punto en el que interior y exterior es equivalente, antes de empezar el viaje iniciático “donde todo será revelado”. Cuanto más nos adentramos en ese recorrido ascendente, más nos alejamos del tiempo y la realidad de fuera del edificio que ahora ya miramos con distancia, desde las alturas. En cada planta, el rellano es el “portal”, la entrada a la formulación de un mundo moderno y canonizado, que desde la articulación del Macba, como Museo Posible hemos puesto en cuestión. La obra de Luz Broto, Una Pared hizo esto posible en términos físicos y metafísicos, generando un “portal” a ningún lugar, que limitaba el acceso tradicional a las salas y reinventaba la función del mismo, ahora en manos de los gestos individuales —de un espectador consciente de su capacidad de decisión—que tenían que determinar por dónde seguir y, si seguir o no, la proclama de dicha modernidad”.