{"id":283398,"date":"2025-12-11T19:49:36","date_gmt":"2025-12-11T19:49:36","guid":{"rendered":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/283398\/"},"modified":"2025-12-11T19:49:36","modified_gmt":"2025-12-11T19:49:36","slug":"los-50-mejores-discos-de-2025","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/283398\/","title":{"rendered":"Los 50 mejores discos de 2025"},"content":{"rendered":"

2025 pareci\u00f3 esquivarle a los n\u00famero 1 absolutos<\/strong>. Mientras que 2024<\/a> tuvo discos que al momento de publicarse fueron vistos cl\u00e1sicos tanto por la industria como por la cr\u00edtica (desde Charli XCX con Brat a Dillom con Por ces\u00e1rea), este a\u00f1o se caracteriz\u00f3 por no tener un norte definido.\u00a0<\/p>\n

En parte, esto es porque vivimos en un mundo cada vez m\u00e1s acelerado \u2014en el que las novedades apenas duran unas semanas\u2014, y cada vez m\u00e1s personalizado \u2014en el que los lanzamientos que llegan a todo el espectro de la sociedad son casi nulos-.\u00a0Pero hay algo a nuestro favor: una gran variedad musical, donde los artistas buscan diferentes g\u00e9neros, palabras, instrumentos y estilos para plasmar su visi\u00f3n y sus experiencias<\/strong>.<\/p>\n

En este contexto en donde abunda la multiplicidad, el trabajo de revisitar, organizar y analizar lo que escuchamos es m\u00e1s importante que nunca: una escucha atenta no solo de la m\u00fasica, sino tambi\u00e9n de lo que reson\u00f3 en las personas. Siendo plenamente conscientes de que una lista nunca es suficiente para dar cuenta de todo lo que ocurri\u00f3 en un a\u00f1o, hoy presentamos los 50 \u00e1lbumes que narraron este 2025<\/strong>.\u00a0<\/p>\n

50. Tame Impala – Deadbeat<\/p>\n

Columbia<\/p>\n

\"Tame<\/p>\n

Kevin Parker<\/strong> regresa inmerso en la escena rave de Australia occidental y la cultura bush doof (fiestas electr\u00f3nicas al aire libre), dando como resultado un disco con una impronta marcadamente electr\u00f3nica, pero tambi\u00e9n personal. A diferencia de su juventud aventurera de Innerspeaker<\/a> o el anhelo rom\u00e1ntico de Lonerism<\/a>, el Parker actual reflexiona sobre responsabilidades, frustraciones, p\u00e9rdidas y la din\u00e1mica familiar<\/strong> \u2013el t\u00e9rmino \u201cdeadbeat\u201d hace alusi\u00f3n a un ser vago, un bueno para nada. Todo eso lo vuelca en el disco a trav\u00e9s de letras que a\u00f1oran la juventud con resignaci\u00f3n y rememoran amores pasajeros. Evolucionando pero sin innovar abismalmente, Tame Impala<\/strong> demuestra que quiere llegar a las fiestas cual Brat<\/a>, pero sin disociarse completamente de su ADN.\u00a0\u2013 Fiore Gonzalo<\/p>\n

49. Alkoy – Valle Chacal Ki<\/p>\n

Astral 369 Studio<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Si una de las pol\u00e9micas recurrentes del \u00faltimo tiempo fue si el rap es el nuevo rock, en\u00a0Valle Chakal Ki <\/strong>podemos encontrar m\u00e1s de una respuesta. En un gesto de obra conceptual,\u00a0Alkoy<\/strong>\u00a0cambia el colch\u00f3n r\u00edtmico y los t\u00f3picos tradicionales del combate puro por atm\u00f3sferas oscuras, rayones de guitarras el\u00e9ctricas y samples de jazz fusi\u00f3n.\u00a0Junto a un pastiche de cartograf\u00edas salte\u00f1as, Ismael G\u00f3mez susurra poes\u00eda para dinamitar lo que se esconde tras las calles apacibles y coloniales de una ciudad en donde todo parece estar en orden patricio<\/strong>. Con un estilo de escritura m\u00e1s intimista y maldita, el artista norte\u00f1o emana de \u201cindecisiones hechas tragedias\u00bb o \u201cestados atentados\u00bb de intensidades subjetivas y recuerdos. Porque as\u00ed como en el rock, tras el tormento, \u201crapear es hablar con el idioma de los que sue\u00f1an en cuna de proezas\u201d. –\u00a0Pablo Tobillo<\/p>\n

48. FKA Twigs – Eusexua<\/p>\n

Atlantic \/ Young<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

La pista est\u00e1 incandescente, los cuerpos est\u00e1n transpirados y FKA Twigs<\/strong> <\/a>se siente bien: no hay lugar a dudas, Eusexua<\/strong> est\u00e1 sucediendo. El estado del ser que da nombre a su cuarto \u00e1lbum de estudio \u2014magnum opus consolidado sobre techno, garage y hyperpop\u2014 no da lugar a la quietud. Descrito por ella misma como un momento de claridad absoluta, \u201ceusexua\u201d no es el estallido de la dinamita, sino el momento exacto en que el fuego empieza a correr por la mecha. Con palabras filosas y una voz pr\u00edstina, Twigs repta entre texturas brillantes que alcanzan un estado de gracia<\/strong>: el poder frontal de \u201cRoom of Fools<\/a>\u201d y \u201cPerfect Stranger<\/a>\u201d, la inquietud revoltosa de \u201cChildlike Things\u201d<\/a>, y la vulnerabilidad de \u201cKeep It, Hold It<\/a>\u201d y \u201cSticky<\/a>\u201d. Eusexua propone una fusi\u00f3n entre cuerpo y mente a trav\u00e9s de tracks mutantes y brutalmente honestos, convirtiendo al proyecto en una invitaci\u00f3n a dejarse poseer por el pulso y habitar la luminosa intensidad del yo. –\u00a0Julia Perata<\/p>\n

47. Isla de Caras – L\u00edneas generales<\/p>\n

Rock City Agencia<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En su cuarto disco, la m\u00fasica de\u00a0Isla de Caras<\/strong>\u00a0<\/a>suena m\u00e1s directa, f\u00edsica y viva.\u00a0L\u00edneas generales<\/strong>\u00a0condensa todo lo que la banda es hoy: una identidad afilada, sin disfraces, que no necesita explicarse. Grabado en cinco d\u00edas en el estudio El Desierto de M\u00e9xico, despu\u00e9s de ocho meses de trabajo en Buenos Aires, el \u00e1lbum destila una urgencia que se siente en cada riff y estribillo. El rojo como alerta. El sonido m\u00e1s frontal. Las letras como peque\u00f1as verdades dichas al pasar. Atr\u00e1s quedaron las colaboraciones de su EP\u00a0Flores robadas: esta vez ten\u00edan algo nuevo para decir y quer\u00edan hacerlo solos.\u00a0Es un disco que busca romper con lo que hicieron, mientras atraviesa del susurro a la explosi\u00f3n, del recuerdo \u00edntimo al coro compartido que pide pogo. Postales de una banda en movimiento, que no quiere repetirse y, en el camino, encuentra algo propio<\/strong>. –\u00a0Juampa Barbero<\/p>\n

46. Ileso – Corduroy<\/p>\n

Inerme Discos<\/p>\n

\"\"<\/p>\n

El tr\u00edo marplatense Ileso<\/a><\/strong> present\u00f3 este a\u00f1o Corduroy<\/strong>, su primer disco de larga duraci\u00f3n donde condensa el sonido agresivo del post hardcore, con letras crudas e introspectivas sobre temas como el machismo, la vulnerabilidad, la liberaci\u00f3n animal y la realidad social. Ileso suena como la gris Mar del Plata en invierno: un sonido denso, pesado y filoso que busca hacerse lugar en el medio del vac\u00edo<\/strong>. En canciones como \u201cAmor y rebeld\u00eda<\/a>\u201d, la banda no solo deja en claro la propuesta desafiante del disco \u2014experiencia que se puede apreciar a\u00fan m\u00e1s en sus shows en vivo \u2014sino que es una clara demostraci\u00f3n del gran momento del hardcore punk argentino en la actualidad. – Nahuel Ugazio<\/p>\n

45. Bandalos Chinos – V\u00e1ndalos<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Bandalos Chinos<\/a><\/strong>\u00a0busca reinventarse con\u00a0V\u00e1ndalos<\/strong>, un \u00e1lbum que toma cierta distancia de sus antecesores \u2014la \u201ctrilog\u00eda\u00a0Jodorowsky<\/a>\u201d de\u00a0Bach,\u00a0Paranoia pop\u00a0y\u00a0El Big Blue\u2014 para probar con un rumbo diferente.\u00a0Ahora, acompa\u00f1ados por Ferm\u00edn Ugarte en la producci\u00f3n, la banda oriunda de B\u00e9ccar propone un disco largo en su estructura, pero tambi\u00e9n en su dise\u00f1o y confecci\u00f3n<\/strong>. A diferencia de sus otros discos,\u00a0V\u00e1ndalos\u00a0cont\u00f3 con el privilegio de ser grabado en el propio estudio de la banda y en sus propios tiempos. El resultado es un \u00e1lbum que trae nuevos sonidos, como las pinceladas disco de \u00abEl ritmo<\/a>\u00ab, los mimos electropop al mejor estilo\u00a0ABBA<\/a>\u00a0en \u00abRevelaci\u00f3n II<\/a>\u00ab, y ciertos golpes de oscuridad en una est\u00e9tica que evoca al synth pop de los 80.\u00a0 -Tom\u00e1s Cabutti<\/p>\n

44. Nina Su\u00e1rez – El lado oscuro<\/p>\n

Discos Laptra<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Todos tenemos un lado oscuro. \u201cNo es oscuro por ser maligno, es porque no se ve\u201d, expresa Nina en un\u00a0manifiesto<\/a> que acompa\u00f1a el lanzamiento de su segundo disco, sucesor del precoz y rockero\u00a0Algo para decirte<\/a>\u00a0<\/strong>(2023). Sus nuevas composiciones exploran esa parte inherente a nuestra especie, que late y bulle desde lo profundo, una fuerza que se transmite de generaci\u00f3n en generaci\u00f3n. El tono conceptual se instala desde el primer tema: \u201cHace tiempo decid\u00ed dejar de creer en una salvaci\u00f3n; de hecho ya no creo en nada\u201d, canta en\u00a0\u201cLa salvaci\u00f3n<\/a>\u201d. Y si bien el relato es derrotista \u2014salpicado de nihilismo existencial y nubarrones apocal\u00edpticos\u2014 est\u00e1 lejos de ser deprimente. La voz de Nina es un b\u00e1lsamo luminoso: ofrece un testimonio visceral y honesto, la cr\u00f3nica de una mensajera de Hermes cruzando un campo en llamas sin quemarse, que se eleva por encima de la crudeza matizada de las guitarras, las percusiones embravecidas y unas l\u00edneas de bajo que atraviesan el aire como lanzas<\/strong>. Quiz\u00e1s el mayor descubrimiento sea\u00a0\u201c\u00daltima noche<\/a>\u201d, que incorpora unas teclas de ensue\u00f1o y logra que su sonido alcance una nueva frontera. – Gabriel Ilieff<\/p>\n

43. Ela Minus – D\u00eda<\/p>\n

Domino<\/p>\n

\"Tapa<\/p>\n

En el 2020, con su \u00e1lbum debut Acts of Rebellion<\/strong>,Ela Minus<\/strong><\/a> invoc\u00f3 un estado de rebeld\u00eda colectiva que parec\u00eda estallar desde el coraz\u00f3n de una fiesta under en alg\u00fan s\u00f3tano oscuro. En paralelo al lanzamiento de aquel disco que la consagr\u00f3 como exponente de vanguardia dentro de la escena, la multiinstrumentista y compositora colombiana se enfrent\u00f3 a una etapa de nomadismo y profunda introspecci\u00f3n que desemboc\u00f3 en D\u00eda<\/strong>. La clave fue abrazar ese estado de incertidumbre, una especie de terapia volcada a la pista de baile. Por eso las canciones de D\u00eda suenan energizantes y expansivas: techno con impronta pop, pero sin abandonar ese costado m\u00e1s ambient y experimental. \u201cLos p\u00e1jaros nacidos en jaula, no le tenemos miedo a nada\u201d, canta Ela sobre el final en \u201cCombat<\/a>\u201d, como recordatorio de que, aunque este haya sido un viaje de superaci\u00f3n personal, su pulsi\u00f3n revolucionaria permanece intacta<\/strong>. -Marina Cimerilli<\/p>\n

42. Six Sex – X-Sex<\/p>\n

Dale Play Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En un contexto donde la actitud suele ser puro artificio,\u00a0Six Sex<\/a><\/strong>\u00a0entiende que la performance es un arma, el cuerpo un manifiesto y la m\u00fasica un juego que se gana siendo m\u00e1s audaz que el resto.\u00a0La artista deja atr\u00e1s el neoperreo para abrazar una electr\u00f3nica filosa, cargada de deseo y v\u00e9rtigo. Cada track late con pulsi\u00f3n f\u00edsica, entre el sudor de la pista y el baj\u00f3n del after. En este nuevo EP, convierte el beat en relato: narra la noche y sus consecuencias, el placer y sus fantasmas<\/strong>. No hay iron\u00eda ni escapismo, hay actitud como verdad, como territorio. Con\u00a0X-sex<\/strong>, confirma que su pop no se domestica: se transforma, se multiplica, y te atraviesa sin pedir permiso. Es una entrega total, una puesta en escena de todo lo que arde y no se puede nombrar. –\u00a0Juampa Barbero<\/p>\n

41. Fonso y Las Paritarias – Fonso y Las Paritarias<\/p>\n

Indie Folks<\/p>\n

\"Arte<\/p>\n

En su nuevo disco,\u00a0Lucas Difonzo<\/strong>\u00a0suelta el control y permite que su universo personal se expanda en clave colectiva.\u00a0Fonso y Las Paritarias<\/strong>\u00a0cristaliza el esp\u00edritu que ven\u00eda gest\u00e1ndose en\u00a0D\u00eda del trabajador<\/a>: una banda que funciona como cofrad\u00eda, sindicato o familia improvisada, unida por cables y guitarras.\u00a0A diferencia de sus discos anteriores, este trabajo propone una voz plural donde la impronta de Las Paritarias \u2014Elena Radiciotti, Octavio Majul, Mart\u00edn Luchina, Sebasti\u00e1n Puntillo y Piter Mazda\u2014 se vuelve vital. <\/strong>Con una producci\u00f3n cuidada, el disco combina recursos cl\u00e1sicos, humor \u00e1cido y lirismo melanc\u00f3lico, para hablar de un presente incierto, sin futuro claro ni consenso posible.\u00a0El ingreso de Elena como voz protag\u00f3nica marca un quiebre: aporta una calidez imprescindible sin desplazar la est\u00e9tica difonzonista, sino enriqueci\u00e9ndola.\u00a0Fonso y Las Paritarias\u00a0es un testimonio de \u00e9poca hecho con guitarras, iron\u00eda, ternura y oficio. Un acto de resistencia en clave de canci\u00f3n. –\u00a0Fiore Gonzalo<\/p>\n

40. Ca7riel & Paco Amoroso – Papota<\/p>\n

5020 Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Con\u00a0Papota, Ca7riel<\/a> y Paco Amoroso<\/a> entregan una s\u00e1tira filosa de la fama y la cultura del \u00e9xito. El EP es una radiograf\u00eda sin anestesia del mundo del espect\u00e1culo: ostentaci\u00f3n, vac\u00edo existencial, cansancio y descontrol<\/strong>. Lejos de glorificar la industria, el d\u00fao argentino la desarma con iron\u00eda, humor \u00e1cido y una est\u00e9tica sonora que combina techno, pop, jazz, percusi\u00f3n desbordada y sintetizadores elegantes. Cada track funciona como una miniatura del exceso: sobreestimulante, ca\u00f3tico y perfectamente producido.\u00a0Papota\u00a0no busca coherencia sino impacto, con letras que oscilan entre el absurdo y la confesi\u00f3n. Detr\u00e1s del desparpajo, late un gesto claro: entrar en el juego sin someterse a sus reglas. En sus propios t\u00e9rminos, Ca7riel y Paco critican desde adentro y, a la vez, te invitan a disfrutar del caos, sin culpa. Porque si todo es una farsa, la mejor respuesta puede ser re\u00edrse fuerte y seguir bailando<\/strong>. – Fiore Gonzalo<\/p>\n

39. Blair – Bar Scorpios<\/p>\n

Sony Music Entertainment Argentina<\/p>\n

\"Arte<\/p>\n

Con\u00a0Bar Scorpios<\/a><\/strong>,\u00a0Blair<\/a><\/strong>\u00a0se consolida como una de las voces m\u00e1s personales del pop argentino. Su segundo disco est\u00e1 atravesado por el simbolismo cat\u00f3lico, tanto en la direcci\u00f3n de arte como en las letras y en la producci\u00f3n que refuerza una est\u00e9tica singular e inquietante.\u00a0A lo largo del \u00e1lbum, la artista de Punta Alta, provincia de Buenos Aires, aborda temas como la muerte, la identidad femenina, el desamor y la culpa, envueltos en un pop que recurre a lo oscuro, lo grotesco y lo confesional. Las canciones construyen un universo donde la inmundicia se convierte en catarsis y el pecado se vuelve doble: haber cedido demasiado y haberlo permitido<\/strong>. En \u201cPecados brutos<\/a>\u201d,\u00a0Mariana Enriquez<\/a>\u00a0da voz a las pesadillas; en \u201cCarne viva<\/a>\u201d, Blair y\u00a0Dillom<\/a>\u00a0relatan un crimen deseado al estilo Bonnie y Clyde. La figura materna aparece como herida viva, y Dios como una imagen ficticia que ya no alcanza. Hacia el final, \u201cSola (outro)<\/a>\u201d transforma el disco en un cuento de terror y fantas\u00eda, una charla con copas de vino en la que se llora, se baila y se invoca lo inconfesable. –\u00a0Luanne Rodas Genez<\/p>\n

38. Juana Rozas – Tanya<\/p>\n

Sony Music Entertainment Argentina<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Tanya<\/strong>\u00a0es una figura que nace rota y se arrastra a trav\u00e9s del fuego.\u00a0Una hero\u00edna tr\u00e1gica que canta desde el delirio y la desesperaci\u00f3n, un personaje que se desangra entre beats industriales, distorsiones metaleras, ambientaciones electr\u00f3nicas corrosivas y hasta una chacarera deformada. En el segundo disco de Juana Rozas<\/strong><\/a>, nada suena limpio: todo est\u00e1 contaminado, huele a encierro, a noche larga. Tanya no busca redenci\u00f3n, solo espacio para seguir cayendo. Se multiplica, se autodestruye, se sacrifica frente a un altar de texturas derretidas y grita, implora, seduce, se pierde. Es v\u00edctima y verdugo, estrella pop y espectro.\u00a0<\/strong>No hay tregua, pero hay sentido. Uno oscuro, espeso, tan pulcro como venenoso. Es una descarga visceral que demuestra que Juana no tiene miedo de ir hasta el fondo, incluso si el final, aunque turbio, se parece un poco a la alegr\u00eda. –\u00a0Juampa Barbero<\/p>\n

37. Lady Gaga – Mayhem<\/p>\n

Interscope<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Mayhem <\/strong>recupera a una Lady Gaga<\/a><\/strong>\u00a0afilada, vulnerable y plenamente vigente. El \u00e1lbum retoma la energ\u00eda pop que la coloc\u00f3 en el centro del mundo en la primera d\u00e9cada de los dos mil, pero la combina con una madurez introspectiva que transforma su \u201coda a la rareza\u201d en un territorio sensible y siempre teatral<\/strong>. En \u201cAbracadabra<\/a>\u201c y \u201cDisease<\/a>\u201d aparece su costado m\u00e1s ca\u00f3tico; \u201cGarden of Eden<\/a>\u201d y \u201cVanish Into You<\/a>\u201d despliegan una oscuridad m\u00e1s digerible y bailable; y tambi\u00e9n encuentran lugar baladas sensibles como \u201cBlade of Grass<\/a>\u201d. Esa circulaci\u00f3n entre diferentes registros le da al disco una amplitud emocional que sostiene su potencia. Y con estos nuevos hits (sumados a una presentaci\u00f3n <\/a>con m\u00e1s de dos millones de espectadores en Copacabana), Gaga termin\u00f3 de demostrar este 2025 que su vigencia sigue marcando el pulso de la cultura musical global. – Valentina Gigena<\/p>\n

36. Alex G – Headlights<\/p>\n

RCA<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Cuando a principios de a\u00f1o Alex G<\/strong> anunci\u00f3 su fichaje con RCA, el escepticismo fue total. Si el entra\u00f1able m\u00fasico de culto empezaba, de repente, a abrir shows para Foo Fighters<\/a>, \u00bfsignificaba que se estaba \u201cvendiendo\u201d? Su d\u00e9cimo disco de estudio, Headlights<\/strong>, lleg\u00f3 meses m\u00e1s tarde con alguna que otra respuesta y, lo m\u00e1s importante, con nuevos cl\u00e1sicos para su cat\u00e1logo. En \u201cBeam Me Up<\/a>\u201d admite que\u00a0hay cosas las hace por amor y otras por dinero; en \u201cReal Thing<\/a>\u201d alude expl\u00edcitamente al \u201cdinero del sello\u201d; y en \u201cAfterlife<\/a>\u201d deja ver entre l\u00edneas que entre God Save the Animals (2022) y este nuevo trabajo ha sido padre. Ya desde el t\u00edtulo del disco, Headlights (los faros de un veh\u00edculo), parece proyectar una imagen doble: un reflejo de su presente (el movimiento) y, a la vez, de futuro (la luz que gu\u00eda)<\/strong>. El nuevo disco de Alex G no necesariamente sorprende a sus seguidores, pero est\u00e1 lejos de defraudar. Sus canciones mantienen ese car\u00e1cter atemporal, extra\u00f1o, llevando el sonido del indie rock que parece cada vez m\u00e1s extinto a nuevos lugares: ah\u00ed est\u00e1 la maravillosa \u201cLouisiana<\/a>\u201d, que arranca con el ruido de un motor y es pura adrenalina de principio a fin. – Rodrigo Piedra<\/p>\n

35. Gaby Caniza – Rubic\u00f3n<\/p>\n

1\/4 Compa\u00f1\u00eda Discograf\u00eda<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

\u201cEste disco me ha salvado la vida\u201d, escribi\u00f3 Gaby Caniza<\/a><\/strong> sobre Rubic\u00f3n<\/strong> y eso se palpa: el \u00e1lbum\u00a0irradia la belleza propia de una obra concebida al borde del abismo. Cada una de sus canciones porta un pulso sanador, una fuerza reparadora que ilumina incluso los rincones m\u00e1s sombr\u00edos de sus pasajes. En estas diez piezas \u2014entre ellas una bell\u00edsima versi\u00f3n a capela del bolero \u201cLa gloria eres t\u00fa<\/a>\u201d\u2014 Caniza despliega su costado m\u00e1s vulnerable: un coraz\u00f3n patag\u00f3nico que late entre nostalgias, guitarras y una melancol\u00eda capaz de abrazar a los rotos, los desamparados, a los perdidos, y a quienes todav\u00eda creen en la belleza del dolor<\/strong>. \u201cQuiero hacerte emocionar\u201d, canta en el tema del mismo nombre<\/a>, y lo cumple.\u00a0Rubic\u00f3n\u00a0no solo conmueve, tambi\u00e9n acompa\u00f1a, acuna y sostiene. – Lucas Santomero<\/p>\n

34. Viva El\u00e1stico – Instant\u00e1neo<\/p>\n

Geiser Discos<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

La noche es el escenario principal del quinto disco de Viva El\u00e1stico<\/a><\/strong>, el ring de cuatro paredes por el que circulan reflexiones y aforismos sensibles.\u00a0Alejandro Schuster<\/strong>, cantante y guitarrista, se sumerge en la b\u00fasqueda por despojarse de todo aquello que estorba o desdibuja la mejor versi\u00f3n de uno mismo.\u00a0Ya atravesados y asimilados los pasajes de iniciaci\u00f3n, Schuster es un cham\u00e1n l\u00fadico y asertivo, consciente de las estereotipos y manierismos del ambiente. Gracias a eso, en un acto fresco de generosidad, comparte sin miramientos las f\u00f3rmulas para sobrellevar el desencanto existencial<\/strong>. \u201cPoes\u00eda, pel\u00edculas, humor absurdo y empiezo a sentirme mejor\u201d, canta en \u201cMetalero<\/a>\u201d. El frontman reacciona con madurez ante las posibles derrotas y se sirve de cada pista para reafirmar con desenfado sus intenciones. Una convicci\u00f3n que tambi\u00e9n se traslada a nivel musical. Los\u00a0Viva El\u00e1stico\u00a0pisan firme, adoptan un registro en\u00e9rgico, a\u00f1aden climas y texturas, se entregan a un pop rock detallista de guitarras matizadas y espacios luminosos. En \u201cA veces casi<\/a>\u201d, canci\u00f3n c\u00falmine de\u00a0Instant\u00e1neo<\/strong>, sintetizan su modus operandi: \u201cAmamos\u00a0experimentar y errar\u201d, cueste lo que cueste. –\u00a0Gabriel Ilieff<\/p>\n

33. Ni\u00f1a Lobo – Montevideo despierta<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Ni\u00f1a Lobo<\/a><\/strong> es una banda enga\u00f1osa. Las canciones de Montevideo despierta<\/strong>, su disco debut, parecen simples en la superficie, pero solo toma un par de escuchas darse cuenta del detallismo de la producci\u00f3n. Abundan los coros pegadizos, las melod\u00edas c\u00e1lidas y las letras entra\u00f1ables \u2014\u201cLlorando en el ba\u00f1o<\/a> de un lugar en donde nunca quise estar\u201c condensa una experiencia universal y ni hablar de la dulzura de \u201cHay pocas cosas de las que estoy segura, y vos seguro sos una\u201c en \u201cFlores celestes<\/a>\u201d. Pero tambi\u00e9n hay teclados que construyen atm\u00f3sferas, ritmos din\u00e1micos, y guitarras que juegan entre la leve distorsi\u00f3n y la elegancia<\/strong>. Incluso invitan a instrumentos de vientos a ser parte de \u201cTormenta<\/a>\u201d para imitar el fen\u00f3meno meteorol\u00f3gico, haciendo que la canci\u00f3n crezca como rel\u00e1mpagos acerc\u00e1ndose. Montevideo despierta es un disco que encaja en esa difusa etiqueta de \u201cindie\u201c, ejecutado con precisi\u00f3n y una gran dosis de emoci\u00f3n. – Juana Giaimo<\/p>\n

32. Kill Flora – Entre sue\u00f1os y distorsiones<\/p>\n

PopArt Discos Internacional<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Desde el sur del conurbano, Kill Flora <\/a><\/strong>salda una deuda con su historia en los escenarios. En su primer larga duraci\u00f3n, la banda de Quilmes materializa finalmente esa energ\u00eda que ven\u00edan puliendo desde \u201cEstaba tan segura<\/a>\u201d, donde la armon\u00eda entre las voces de Ana Julia Gonz\u00e1lez<\/strong> y Luc\u00eda Szellner<\/strong> alcanza su cl\u00edmax mientras cantan en c\u00e1non. \u201cEl chico de Paraguay<\/a>\u201d demuestra su rango para erupcionar con la irreverencia del punk, mientras en \u201cTanto viento<\/a>\u201d alcanzan una s\u00edntesis a trav\u00e9s de la delicadeza de sus voces a la vez que el bajo y el ritmo suenan contundentes, consolidando una identidad que oscila entre lo angelical y lo implacable. Con el sosiego de sus melod\u00edas y su accesibilidad pop din\u00e1mica y divertida, Kill Flora logra algo casi imposible: transmitir urgencia y atemporalidad al mismo tiempo<\/strong>.\u00a0– Delfina Montagna<\/p>\n

31. Bad Bunny – Deb\u00ed tirar m\u00e1s fotos<\/p>\n

Rimas<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Deb\u00ed tirar m\u00e1s fotos<\/strong> <\/a>es el disco que Bad Bunny<\/a><\/strong> siempre quiso hacer. M\u00e1s que una colecci\u00f3n de canciones, es una obra que evoca un esp\u00edritu nacionalista para reivindicar la cultura de Puerto Rico<\/strong>. Para lograrlo, sample\u00f3 a grupos ic\u00f3nicos como El Gran Combo de Puerto Rico,<\/strong> rindi\u00f3 homenaje a Willie Col\u00f3n<\/strong> y To\u00f1ita<\/strong>, y colabor\u00f3 con talentos de su tierra natal como Dei V<\/strong>, Chuwi<\/strong>, Omar Courtz<\/strong>, RaiNao<\/strong> y Los Pleneros de la Cresta<\/strong>. Bad Bunny re\u00fane 30 a\u00f1os de nostalgia para crear 17 canciones canciones que retoman estilos tradicionales de la isla, invitando a todo el mundo a conocer el lugar en el que creci\u00f3.\u00a0 – Fiore Gonzalo<\/p>\n

30. Santiago Motorizado – El retorno<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Si hay algo que\u00a0Santiago Barrionuevo<\/strong>\u00a0<\/a>logr\u00f3 demostrar a lo largo de todos estos a\u00f1os al frente de\u00a0El Mat\u00f3 a un Polic\u00eda Motorizado<\/a>\u00a0es su don casi divino para conmover con las palabras justas, sin caer en golpes bajos ni met\u00e1foras forzadas.\u00a0El retorno<\/a>, su tan esperado disco solista, condensa esa sensibilidad con la fuerza de una an\u00e9cdota inmortal: esa que se repite en cada reuni\u00f3n de amigos y, con los a\u00f1os, adquiere nuevos matices y colores, pero siempre desemboca en una celebraci\u00f3n fraternal<\/strong>. En estas once canciones \u2014viejas y nuevas\u2014, Santiago combina melancol\u00eda pop y alma lo-fi para construir una autobiograf\u00eda emocional donde el amor, la amistad y la nostalgia ocupan un lugar central. \u2013\u00a0Lucas Santomero<\/p>\n

Anomal\u00eda<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En su segundo disco, Nadar de Noche<\/a><\/strong> \u2014la banda formada por integrantes de Temporada de Tormentas<\/a>, Archipi\u00e9lagos<\/a> y Fin del Mundo<\/a>\u2014 se mueve entre sintetizadores y arreglos de cuerdas sutiles que construyen<\/strong> un clima de trance nocturno, como si la voz de Lucas Andreu atravesara una ciudad ficticia con mensajes por entregar<\/strong>. A lo largo del tracklist se destaca el trabajo de guitarras: sus l\u00edneas dejan espacio para que la bater\u00eda, el bajo, las percusiones y los teclados jueguen entre la repetici\u00f3n y la sorpresa. \u201cTemporal<\/a>\u201d resume bien el recorrido del disco: una introducci\u00f3n con guitarras ac\u00fasticas que transmiten calma desemboca en un entramado instrumental cada vez m\u00e1s denso, hasta rozar el ruido.\u00a0Extra\u00f1amente\u00a0es un disco melanc\u00f3lico, pero tambi\u00e9n luminoso, que deja atr\u00e1s el dramatismo para proponer un tipo de emoci\u00f3n m\u00e1s contenida<\/strong>. Suena a una b\u00fasqueda colectiva que cruza influencias del pop, el math rock y la electr\u00f3nica sin perder sensibilidad. \u2013\u00a0Ger\u00f3nimo Kener<\/p>\n

28. Juan Wauters – MVD Luv<\/p>\n

Captured Tracks<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En un a\u00f1o musical marcado por regresos a las ra\u00edces, quiz\u00e1s el retorno menos forzado fue el de Juan Wauters<\/a><\/strong>. En 2024, el m\u00fasico uruguayo se encontr\u00f3 en Montevideo, criando a su hija y grabando por primera vez en su ciudad natal, lejos del Nueva York que lo hab\u00eda adoptado durante m\u00e1s de 20 a\u00f1os. El resultado es MVD LUV \u2014o Amor Montevideo\u2014, donde traza<\/strong> un mapa emocional de la ciudad sin convertirla en una postal<\/strong>. Junto al productor Leandro Aquistapacie<\/strong>, fueron a buscar a m\u00fasicos de distintos rincones de Montevideo y grabaron donde la canci\u00f3n lo ped\u00eda, sea en casas, calles, terrazas o asados. De ah\u00ed que las percusiones sean una textura omnipresente en el disco (uno de los primeros recuerdos musicales de Wauters es el de escuchar la murga de los carnavales y el candombe en las fiestas de fin de a\u00f1o). En canciones como \u201cAeropuerto<\/a>\u201d, \u201cLa Luc\u00eda<\/a>\u201d y \u201cMutuaci\u00f3n<\/a>\u201d, las figuras de Eduardo Mateo y Jaime Roos aparecen no como un homenaje directo<\/a>, sino como una herencia inevitable. En ese cruce entre lo nativo y lo adoptado, Wauters redibuja su identidad de n\u00f3made y se reconcilia con sus ra\u00edces, encontrando una versi\u00f3n de s\u00ed mismo que contiene multitudes sin necesidad de explicarse<\/strong>. – Eric Olsen<\/p>\n

27. Juan Lopez – El \u00e1lbum negro<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Si en la portada de su disco anterior, Culiado<\/strong>, se ve\u00eda al artista cordob\u00e9s sonre\u00edr con una herida fresca en la mejilla, ac\u00e1 aparece ese instante de black-out despu\u00e9s de un golpe fatal. El \u00e1lbum negro <\/strong>es como un collage de crudezas que aparecen cuando miramos de frente a la oscuridad plena: ideas que chocan, capas que se abren y se desarman, y una producci\u00f3n \u2014del mismo Juan Lopez<\/a><\/strong> con aportes de Paul Coronado y Javier Kalwill\u2014 que mezcla ecos de shoegaze, cortes digitales y distorsi\u00f3n punzante<\/strong>. En tiempos de atenci\u00f3n dispersa, el disco est\u00e1 orquestado para condensar una catarata de emociones en menos de 30 minutos. El \u00e1lbum negro es un break-up album atravesado por la sensaci\u00f3n de querer frenar el tiempo antes de que todo se rompa y, a la vez, aparece un malestar m\u00e1s terrenal, casi de post-teen angst: sin propon\u00e9rselo, suena m\u00e1s maduro que muchos artistas ya entrados en los 30. El resultado es un disco tan \u00edntimo que termina hablando por una generaci\u00f3n que creci\u00f3 entre la ansiedad, la autoficci\u00f3n y la b\u00fasqueda de algo verdadero por fuera de las pantallas<\/strong>. – Eric Olsen<\/p>\n

26. Varese – Tregua<\/p>\n

Indie Folks<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En tiempos donde la vida cotidiana se parece m\u00e1s a un sistema operativo hipercargado que a una experiencia humana, Tregua<\/strong> aparece como un glitch necesario en clave cyberpunk. Varese<\/a><\/strong> abre nueve portales ruidosos, f\u00edsicos y el\u00e9ctricos donde la presi\u00f3n social, econ\u00f3mica y tecnol\u00f3gica se condensa hasta convertirse en energ\u00eda bailable. No hay alivio: hay intensidad, choque, una m\u00fasica que respira como lo hace la noche \u2014apretada, urgente, cargada de est\u00edmulos. El d\u00fao marplatense afila su identidad y entrega su trabajo m\u00e1s directo, un \u00e1lbum que piensa la electr\u00f3nica como territorio emocional y tambi\u00e9n como diagn\u00f3stico de \u00e9poca<\/strong>. Entre beats que tambalean el pecho, riffs tensos y atm\u00f3sferas de ne\u00f3n, Tregua funciona como un espacio paralelo donde la saturaci\u00f3n encuentra forma y la rabia se organiza en ritmo. Es un disco que no anestesia: despierta, ordena, sacude<\/strong>. Una pausa construida a pura electricidad. – Juampa Barbero<\/p>\n

25. Viagra Boys – Viagr Aboys<\/p>\n

Shrimptech Enterprises<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Las l\u00edneas de batalla fueron trazadas, descartadas y recuperadas en clave humor\u00edstica en el cuarto disco de la banda sueca. Con un narrador al\u00e9rgico a la solemnidad, se nota ya desde el t\u00edtulo el enfoque jod\u00f3n que el cantante Sebastian Murphy<\/strong> adelant\u00f3<\/a> que este disco iba a tener. A\u00fan manteniendo el bajo \u2014que ya se convirti\u00f3 en insignia\u2014 y la f\u00f3rmula postpunk que los llev\u00f3 a la cima, los Viagra Boys<\/a> arremeten contra m\u00faltiples frentes<\/strong>. Con la misma naturalidad con la que prueban un m\u00fasculo mel\u00f3dico casi britpop en \u201cThe Bog Body<\/a>\u201d, retoman el papel de animales en \u201cUno II<\/a>\u201d y se permiten giros inesperados como \u201cMedicine for Horses<\/a>\u201d, una balada donde una voz femenina inyecta la delicadeza de la que los Viagra Boys carecen, permitiendo a este cuasi-hom\u00f3nimo abarcar muchos m\u00e1s espectros de los que incluso se propone. Desbloqueados por la premisa de la estupidez deliberada, no pueden evitar sonar astutos desde la l\u00edrica y precisos desde la instrumentaci\u00f3n, confirmando que el chiste va muy en serio<\/strong>. – Delfina Montagna<\/p>\n

24. Perro Fantasma – Cuando llega la noche<\/p>\n

Mil gatitos muertos<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

La hora oscura es el h\u00e1bitat natural de\u00a0Perro Fantasma<\/a><\/strong>, el escenario ideal para sus canciones, un portal entre lo real y lo imaginario.\u00a0Cuando llega la noche<\/strong>, su tercer disco, est\u00e1\u00a0habitado por brujas<\/a>, guitarras como charcos y bater\u00edas que retumban como en un descampado. Como el vino, el sonido de Perro Fantasma se vuelve m\u00e1s profundo con el tiempo, con m\u00e1s ecos y m\u00e1s nostalgia<\/strong>. Sus canciones ya no buscan nitidez, sino que se disuelven como niebla entre sombras. La comparaci\u00f3n con Sumo<\/a> es inevitable: no solo por el origen extranjero de sus voces l\u00edderes, sino por cierto aire de nocturnidad urbana que atraviesa ambas propuestas.\u00a0La cantante y escritora francesa Pauline Fondevila recorre este disco como quien deambula por una ciudad que conoce hace casi veinte a\u00f1os, pero que a\u00fan le resulta ajena. <\/strong>La \u00fanica luz verdadera aparece en \u201cIlusi\u00f3n revoluci\u00f3n<\/a>\u201d, cuando trata de describir lo que se sinti\u00f3 como \u201cuna ilusi\u00f3n, una intenci\u00f3n, el deseo de una revoluci\u00f3n\u201d. Es el momento m\u00e1s luminoso del \u00e1lbum, un destello de certeza en un viaje lleno de intuiciones. \u2013\u00a0Eric Olsen<\/p>\n

23. El Club Audiovisual – Relicario<\/p>\n

Hora Cero Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Cuando se dice que una banda madur\u00f3, generalmente suena vac\u00edo: \u00bfpor qu\u00e9 consideramos ciertos g\u00e9neros musicales m\u00e1s maduros que otros? Pero en el caso de Relicario<\/strong> de El Club Audiovisual<\/strong><\/a>, se puede decir que el crecimiento no vino por cambiar su sonido, sino por c\u00f3mo la banda se nutri\u00f3 de su propia historia para crecer. Aprendieron a balancear el shoegaze de su debut, No estamos tan solos (2020) y el pop punk de su segundo disco hom\u00f3nimo para sacar lo m\u00e1s emocional de ambos g\u00e9neros<\/strong>. La distorsi\u00f3n de guitarras est\u00e1 siempre presente, como tambi\u00e9n el dinamismo y la agilidad de las melod\u00edas. A la vez, todo el disco parece querer romper paredes, salir del encierro introspectivo, como se ve en el salto del bedroom pop a banda completa de \u201cNo soy yo<\/a>\u201d o en la vulnerabilidad absoluta de baladas como \u201cLejos de m\u00ed<\/a>\u201d y \u201cAntes de que vuelvas<\/a>\u201d. Cada canci\u00f3n tiene una producci\u00f3n \u2014a cargo de Estanislao L\u00f3pez<\/strong><\/a>\u2014 detallista y preciada, haciendo que el t\u00edtulo sea m\u00e1s que acorde. – Juana Giaimo<\/p>\n

22. Lorde – Virgin<\/p>\n

Republic<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Despu\u00e9s de Solar Power <\/strong>(2021), un disco con un pulso relajado y levemente inspirado por la psicodelia y el folk, Lorde<\/strong> volvi\u00f3 a sus ra\u00edces musicales con Virgin<\/strong>: canciones que deambulan por la ciudad fren\u00e9tica, buscando los recovecos nocturnos de la mano de sintetizadores y beats electr\u00f3nicos<\/strong>. Con su voz instant\u00e1neamente reconocible \u2014temblorosa, con un fraseo casi hablado que, a la vez, se deja llevar por la suavidad de los suspiros\u2014, Lorde hace una radiograf\u00eda de su identidad. Su cuarto disco es una reflexi\u00f3n sobre los altibajos emocionales de sus \u00faltimos a\u00f1os, pero tambi\u00e9n sobre lo que la llev\u00f3 a estar en el presente hoy, desde v\u00ednculos rom\u00e1nticos fallidos (\u201cWhat Was That<\/a>\u201c) al peso de la herencia (\u201cFavourite Daughter<\/a>\u201d), pasando por trastornos alimenticios (\u201cBroken Glass<\/a>\u201d). Cuando llega el final con \u201cDavid<\/a>\u201c, se siente como si hubiera depurado todo lo que la atormentaba adentro: \u201cEn Sunset Tower, vos dijiste: ‘Abr\u00ed la boca’; lo hice y lo que sali\u00f3 escupido ese d\u00eda fue la verdad\u201d.\u00a0– Juana Giaimo<\/p>\n

21. K4 – Yo tambi\u00e9n les tengo miedo<\/p>\n

Bohemian Groove<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En Yo tambi\u00e9n les tengo miedo<\/strong>, K4<\/a><\/strong> deja de construir monstruos para enfrentarse al suyo. Despu\u00e9s de a\u00f1os escondido detr\u00e1s de distorsiones y personajes que gritaban por \u00e9l, el golpe llega desde otro lado: la fragilidad<\/strong>. La crudeza aparece en forma de piano roto, respiraci\u00f3n entrecortada y melod\u00edas que parecen escritas en una habitaci\u00f3n que todav\u00eda huele a desvelo. \u201cMabel<\/a>\u201d abre un surco emocional, \u201cPiedra marplatense<\/a>\u201d expone una intimidad que \u00e9l mismo crey\u00f3 imposible y \u201cSegu\u00ed no pares<\/a>\u201d enciende un impulso que atraviesa el cuerpo entero. El proceso tambi\u00e9n marca una transformaci\u00f3n: K4 arma banda, comparte sala, prueba, corrige, expande. El sonido crece a partir del roce colectivo y la vulnerabilidad se vuelve est\u00e9tica central<\/strong>.\u00a0Yo tambi\u00e9n les tengo miedo es el registro de ese salto al vac\u00edo: un disco inquieto, vulnerable y filoso donde la sensibilidad deja de ser un enemigo y se vuelve la forma definitiva de avanzar. – Juampa Barbero<\/p>\n

20. Candelabro – Deseo, carne y voluntad<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Una experiencia traum\u00e1tica y un diagn\u00f3stico de c\u00e1ncer inspiran la columna vertebral de Deseo, carne y voluntad,<\/strong> un trabajo en el que Candelabro<\/a><\/strong> se propone desafiar los cimientos sociales de Chile. El disco es una ceremonia religiosa de m\u00e1s de 70 minutos de duraci\u00f3n que mezcla post rock, chamber rock y ska en medio de referencias a la cultura chilena popular, poes\u00eda y alusiones al cristianismo<\/strong>. Hay una armon\u00eda particular en lo que hace Candelabro; las letras son profundas, plantean una imagen visual que se va creando a medida que tocan los acordes de la canci\u00f3n. Pese a que cuentan con sintetizador, guitarras, bajo y bater\u00eda, el saxof\u00f3n es el que marca altos y bajos en las canciones<\/strong>. Candelabro mezcla intensidades, introduce instrumentos en medio de las melod\u00edas, hace cambios de tonalidades, se atreve a experimentar en medio de lo que presentan como su zona de confort. Logra lo que parece imposible cuando se trata de canciones que sobrepasan los 6 minutos de duraci\u00f3n: el que una persona quiera continuar con la escucha. -Ignacia Guti\u00e9rrez<\/p>\n

19. Milo J – La vida era m\u00e1s corta<\/p>\n

Sony Music Entertainment US Latin<\/p>\n

\"Tapa<\/p>\n

En tiempos de frenetismo y descarte musical, elegir volver a lo aut\u00f3ctono no es ingenuo, sino un manifiesto pol\u00edtico. En La vida era m\u00e1s corta, Milo J<\/a> planta bandera en las ra\u00edces para ayudar a una generaci\u00f3n de j\u00f3venes que buscan referencias identitarias en la m\u00fasica nacional<\/strong>. Construye un puente para acercarnos a nuestros g\u00e9neros como el folklore, el tango y el carnavalito, con colaboraciones de Soledad<\/strong>, Silvio Rodriguez<\/strong>, Cuti<\/strong>, Roberto Carabajal<\/strong>, Trueno<\/strong><\/a> y la aparici\u00f3n de la voz de Mercedes Sosa<\/strong>. En el disco abundan los mensajes contundentes dichos de manera simple y accesible para todos: es la emocionalidad pura de un pecho erguido que no siente verg\u00fcenza de ser.\u00a0– Fiore Gonzalo<\/p>\n

18. Oklou – Choke Enough<\/p>\n

True Panther<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

El debut de la artista francesa\u00a0Oklou\u00a0<\/strong>(pseud\u00f3nimo de Marylou Mayniel) se puede describir como pop experimental: combina producci\u00f3n sint\u00e9tica y espaciosa con ecos de trance, ambient, dance pop europeo e hiperpop. En sus arreglos, abundan las voces susurradas y sintetizadores que buscan m\u00e1s atm\u00f3sfera que impacto, movi\u00e9ndose en bucle constantemente. De la misma forma, las letras proponen un viaje \u00edntimo sobre el deseo, la duda y la necesidad de sentirse tocado por alguien m\u00e1s. En un contexto marcado por la b\u00fasqueda de nuevas formas de comunicarse en medio de la saturaci\u00f3n excesiva,\u00a0Choke Enough consigue capturar el estado emocional de una generaci\u00f3n que quiere encontrar sentido en medio del ruido<\/strong>.\u00a0– Paula Luciana Lugones <\/p>\n

17. Rusowsky – Daisy<\/p>\n

Rusia-IDK \/ Warner<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Daisy<\/strong> es uno de esos \u00e1lbumes dif\u00edciles de encasillar, pero con un sello de autor muy claro. A sus 26 a\u00f1os, Rusowsky<\/strong> deja el bedroom pop para lanzar su primer disco de estudio: una obra donde convergen g\u00e9neros que solo \u00e9l puede hacer convivir. Con colaboraciones tan variadas como Ralphie Choo o Las Ketchup, y samples de himnos como ‘Papichulo<\/a>‘ de Lorna, el madrile\u00f1o se mueve entre el flamenco, el R&B, el reggaet\u00f3n, el pop y m\u00e1s. Cada canci\u00f3n nos transporta a un mood distinto, combinando estos referentes musicales con sonidos propios de alguien que creci\u00f3 navegando por Internet<\/strong>. Un \u00e1lbum que parte del pop de vanguardia madrile\u00f1o \u2014escena que comparte junto a su productora Rusia IDK<\/strong><\/a>\u2014, pero que Rusowsky toma para crear una identidad propia. – Sof\u00eda Chaieb<\/p>\n

16. Javiera Mena – Inmersi\u00f3n<\/p>\n

Geiser Discos<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

La construcci\u00f3n de una obra propia parece ser una b\u00fasqueda importante en el recorrido de Javiera Mena<\/a><\/strong>. Pero esa b\u00fasqueda tiene la particularidad de reparar en que ese deseo de construcci\u00f3n de algo m\u00e1s grande que uno no se transforme en un acto de narcisismo solemne, sino en una aventura, un juego. La artista chilena ha sabido invitar a bailar, otras veces a pensar, a medida que explora, abandona y revisita texturas y sonidos. En Inmersi\u00f3n, sobre todo, reafirma un denominador com\u00fan a lo largo de su discograf\u00eda: de la forma que fuere, su m\u00fasica siempre cautiva<\/strong>. Aunque sin dejar de contar con un nivel de producci\u00f3n considerable, lo org\u00e1nico gana terreno en la instrumentaci\u00f3n y aporta cierto despojo a las 10 canciones que narran breves historias de no m\u00e1s de 3 minutos. El beat se subordina a la sensualidad curvil\u00ednea de un pu\u00f1ado de baladas que enamoran al mismo tiempo que ya invitan a pensar cu\u00e1l ser\u00e1 la pr\u00f3xima cara de la cantautora chilena<\/strong>, quien a esta altura ya acumul\u00f3 credenciales suficientes para ser una de las referencias obligadas del pop en Am\u00e9rica Latina.\u00a0– Santiago Berisso<\/p>\n

15. Hannie Schaft – Este es el lugar<\/p>\n

Anomal\u00eda<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Con ese v\u00e9rtigo atractivo de cada vez que nos asomamos al abismo,\u00a0Este es el lugar<\/strong>\u00a0habita un espacio intermedio entre claustrofobia y sosiego, como en un pozo que invita a adentrarse en \u00e9l.\u00a0Con sus voces lejanas, sus acordes de guitarra desgarrados, punteos disonantes y la construcci\u00f3n let\u00e1rgica de sus percusiones, Hannie Schaft se balancea entre distancia glacial y calidez mel\u00f3dica<\/strong>. A medida que avanza en su complejidad, el \u00e1lbum propone una l\u00f3gica interna al caos. En su primer \u00e1lbum de estudio, la banda \u2014integrada por Patricio Ferreyra<\/strong> en guitarra y voz, Le\u00f3n Taubas<\/strong> en bajo y Valentino Dubarry<\/strong> como multiinstrumentista\u2014 convierten tensi\u00f3n en persuasi\u00f3n narc\u00f3tica. \u2013\u00a0Delfina Montagna<\/p>\n

14. Mar\u00eda Wolff – R\u00e1pido mam\u00e1<\/p>\n

Geiser Discos<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Despu\u00e9s de un debut osado y de perfil bajo en 2018,\u00a0Mar\u00eda Wolff<\/strong>\u00a0volvi\u00f3 en 2025 con su primer disco de larga duraci\u00f3n.\u00a0Producido y mezclado por\u00a0Alex Anwandter<\/a>,\u00a0R\u00e1pido mam\u00e1\u00a0presenta una nueva faceta de la artista: m\u00e1s visible, m\u00e1s directa, pero igual de impredecible. Las participaciones de Fernando Samalea y Ramiro Flores aportaron brillo a un repertorio que ya hab\u00eda sido anticipado por los singles \u201cR\u00e1pido mam\u00e1<\/a>\u201d y \u201cMi novia no me banca m\u00e1s<\/a>\u201d<\/strong>. Lejos de repetir la f\u00f3rmula de su primer EP \u2014cinco tracks instrumentales o en lenguaje inventado, con pianos el\u00e9ctricos, pulso hiphopero y tracci\u00f3n a sangre\u2014, este nuevo trabajo ampli\u00f3 su alcance y llegada. Tras varios a\u00f1os de silencio, Wolff demuestra que no necesita una trayectoria previa para dejar una marca fuerte, y que el tiempo de espera tambi\u00e9n puede ser una forma de construir misterio. \u2013\u00a0Juan P\u00e9rgola<\/p>\n

13. Pulp – More<\/p>\n

Rough Trade<\/p>\n

\"More,<\/p>\n

Han pasado casi 24 a\u00f1os<\/a> desde que Pulp<\/strong> public\u00f3 nueva m\u00fasica y mucho ha cambiado en el mundo desde entonces. More<\/strong> confirma que Jarvis Cocker<\/a> y compa\u00f1\u00eda siguen fieles a esa capacidad de observar, diseccionar y poetizar la vida cotidiana. A lo largo de sus once canciones, Pulp retoma los temas cl\u00e1sicos del repertorio: la vida suburbana, el amor extra\u00f1o, la adultez y el absurdo de la vida moderna<\/strong>. \u201cGrown Ups<\/a>\u201d se posiciona perfectamente en esta narrativa, con una gracia y fluidez en sus letras que la vuelve destacable, mientras que la existencial \u201cFarmers Market<\/a>\u201d remite a un jazz suave con tintes de britpop. En \u201cMy Sex<\/a>\u201d, Jarvis juega tanto con lo absurdo como con el romanticismo, para luego llevarnos directo a la pista de baile con \u201cGot to Have Love<\/a>\u201d, un himno que parece salido de un club ochentoso. Despu\u00e9s de dos d\u00e9cadas, More demuestra que todav\u00eda quedan muchas historias por contar dentro del universo de Jarvis Cocker<\/strong>. – Valentino Marcello<\/p>\n

12. Nota – Subidos al pony<\/p>\n

Hora Cero Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En un mundo donde abundan las \u201cAlmas que no responden m\u00e1s a los nuevos sonidos de este planeta\u201d, nace Subidos al pony<\/strong>, un disco realista no por decir \u201cclonazepam\u201d o tener una canci\u00f3n titulada \u201cMSA<\/a>\u201d, sino por la cotidianidad con la que habla de realidades relacionadas a la salud mental, la sociedad, la crisis econ\u00f3mica y hasta el v\u00ednculo con Dios.\u00a0Si bien es una producci\u00f3n menos r\u00fastica dentro del repertorio del Nota<\/a>, mantiene su crudeza y rareza; conserva sus ruidos de p\u00faas, su sensibilidad punk y una voz al frente en la mezcla, con altibajos, sentimientos palpables y agudos que explotan en los shows en vivo<\/strong>. Subidos al pony condensa un clima social colectivo actual, con el potencial para deshacer brechas culturales utilizando lo que tenemos todos: emociones.\u00a0– Luanne\u00a0Rodas Genez<\/p>\n

11. Blood Orange – Essex Honey<\/p>\n

RCA<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

A Dev Hynes<\/strong> le tom\u00f3 seis a\u00f1os publicar\u00a0Essex Honey<\/strong>\u00a0luego del \u00e9xito de\u00a0Negro Swan\u00a0(2018). En parte es porque vive metido en el estudio. Suele decir que su m\u00fasica es demasiado \u00edntima porque responde a su deseo, y no entiende c\u00f3mo traducirla al show en vivo. En cambio, la creaci\u00f3n detr\u00e1s de escena es lo que mueve su esp\u00edritu \u2014por eso produjo para figuras como Britney Spears<\/a>, The Chemical Brothers<\/a>,Kylie Minogue<\/a>, entre otros.\u00a0Essex Honey, su quinto disco bajo el nombre\u00a0Blood Orange<\/a><\/strong>, es un trabajo marcado por el duelo ante la p\u00e9rdida de su madre. Un \u00e1lbum tan introspectivo como experimental, con grabaciones de campo anal\u00f3gicas que se superponen con conversaciones cotidianas, cuerdas, funk melanc\u00f3lico y las voces de Caroline Polachek<\/a>, Lorde <\/a>y Mustafa<\/strong>. Buscando algo de paz en este mundo ca\u00f3tico, Hynes encontr\u00f3 el equilibrio en el paso del tiempo. – Nicol\u00e1s Adet<\/p>\n

10. MissLupe – Reset<\/p>\n

Emotiva Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Reset<\/strong>\u00a0es una carta de amor a la m\u00fasica house.\u00a0El esperado primer disco de la cantante, DJ y productora argentina celebra la pista como un lugar de comuni\u00f3n y reivindica las ra\u00edces del g\u00e9nero como un espacio de contenci\u00f3n para la comunidad queer, especialmente cuando la realidad pol\u00edtica afecta a esos mismos cuerpos que transpiran en la pista<\/strong>. Tomando elementos como sintetizadores de los 90,\u00a0MissLupe\u00a0<\/strong>no romantiza el pasado, sino que agarra esa fantas\u00eda de cuando los tiempos eran mejores y la trae al presente, la desdobla sobre la pista y fragmenta esa idealizaci\u00f3n entre vocales chopeadas y altos bpms. Porque salir a bailar en esta ciudad es encontrar placer en los m\u00e1rgenes, y habitar ese l\u00edmite implica un riesgo que vale la pena correr. \u00abBuenos Aires es una ciudad que esta muy bailada. Es-ta-muy-bai-lada\u00bb, susurra Lupe en un track hipn\u00f3tico, y tiene mucha raz\u00f3n. Aunque la fiesta a veces\u00a0nos haga llorar<\/a>, volvemos igual, porque la cultura tambi\u00e9n se est\u00e1 construyendo en nuestras pistas argentinas, y no solo desde Berghain.\u00a0\u2013\u00a0Chiara Pizzichini<\/p>\n

09. Hayley Williams – Ego Death at a Bachelorette Party<\/p>\n

Post Atlantic<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Los discos suelen abordar una tem\u00e1tica particular \u2014separaci\u00f3n, lucha social, salud mental, fantas\u00eda\u2014, pero en la vida, todas estas cosas suelen pasar a la vez. Como un corte transversal, Hayley Williams<\/a><\/strong> logra abordar estas tem\u00e1ticas en Ego Death at the Bachelorette Party<\/strong>, su tercer disco solista por fuera de Paramore<\/a>, sin dejar de crear una experiencia de escucha coherente. Con una atm\u00f3sfera que alterna entre lo apesadumbrado y lo et\u00e9reo, Hayley muestra que su voz no es pura potencia, sino que se luce en los recovecos de las emociones<\/strong>. Se anima a casi rapear con altaner\u00eda cuando aborda la libertad de terminar su contrato con Atlantic Records despu\u00e9s de 20 a\u00f1os (\u201cIce in my OJ<\/a>\u201d); se entrega a la oscuridad t\u00e9trica para describir c\u00f3mo su ciudad natal est\u00e1 repleta de racistas hip\u00f3critas con armas (\u201cTrue Believer<\/a>\u201d); y se evaporiza en la suavidad del dream pop cuando se imagina a s\u00ed misma como Scarlett Johansen en Perdidos en Tokyo para hablar del anhelo y del amor perdido (\u201cDream Girl in Shibuya<\/a>\u201d). A lo largo de todo el disco lo que persiste es su vulnerabilidad, el reinventarse levemente en cada canci\u00f3n sin dejar de ser ella misma<\/strong>.\u00a0– Juana Giaimo<\/p>\n

08. Turnstile – Never Enough<\/p>\n

Roadrunner<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Cuatro a\u00f1os despu\u00e9s de Glow On<\/strong>, Turnstile<\/a><\/strong> redobla la apuesta y plantea una continuaci\u00f3n donde los riffs y la bater\u00eda son m\u00e1s veloces cuando deben serlo y la sensibilidad pop es m\u00e1s emotiva que nunca. Ante la ida de su compositor principal Brady Ebert, el quinteto de Baltimore elude la presi\u00f3n de superar su disco m\u00e1s emblem\u00e1tico mediante un trabajo conceptual, sin barreras sonoras. A esta altura, la discusi\u00f3n sobre si son una banda hardcore es irrelevante<\/strong>, ante canciones que pregonan una paleta de colores que nacieron para ser tocadas en vivo, desde el descontrol punk de \u201cBirds<\/a>\u201d o \u201cSunshower<\/a>\u201d, a la melod\u00eda bailable de \u201cI Care<\/a>\u201d, hasta el conmovedor final de \u201cMagic Man<\/a>\u201d, con la voz de Brendan Yates<\/strong> en dueto con sintetizadores. Turnstile expone su visi\u00f3n del mundo: generar una comunidad sin importar el tama\u00f1o, para lograr un sentimiento de eternidad con su m\u00fasica<\/strong>. – Ger\u00f3nimo Kener<\/p>\n

07. Barbi Recanati – \u00danico y nuestro<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Tapa<\/p>\n

\u201cEste es mi escondite preferido, donde todo lo que puede salir mal, saldr\u00e1 peor\u201d, dice Barbi Recanati<\/a><\/strong> en \u201cMil partes\u201d<\/a>, la primera canci\u00f3n de su tercer disco de estudio, \u00danico y Nuestro<\/strong>.\u00a0Con ese inicio, nos invita a pensar que encontr\u00f3 un espacio propio de experimentaci\u00f3n. Si bien el sonido de las guitarras y la manera de decir, medio rota y filosa, de Barbi emparentan este trabajo con sus discos anteriores, \u00danico y nuestro tiene momentos con m\u00e1s espacio para disfrutar de la ingenier\u00eda fina de cada canci\u00f3n<\/strong>. Hay un claro giro a los sonidos que invitan al baile con un final inesperadamente ac\u00fastico, con el cover de \u201cTodo sigue igual<\/a>\u201d de Viejas Locas y la reversi\u00f3n<\/a> de su propia canci\u00f3n \u201cNada nadie 2<\/a>\u201d. En estos nuevos espacios que se abren, hay m\u00e1s lugar para decodificar las im\u00e1genes precisas de sus letras y entrar en el universo que nos propone a lo largo del disco: un mundo que se mueve por la coyuntura densa de la realidad argentina y otro mundo craneado para sobrevivirla.\u00a0– Dar\u00edo Sosa<\/p>\n

06. Wet Leg – Moisturizer<\/p>\n

Domino Records<\/p>\n

\"arte<\/p>\n

Despu\u00e9s de haberse convertido en un fen\u00f3meno global con su debut hom\u00f3nimo en 2022<\/a>, Wet Leg <\/strong>redobla la apuesta con Moisturizer<\/strong>, un trabajo mucho m\u00e1s ambicioso y emocionalmente expuesto. La banda oriunda de la Isla de Wight y comandada por Rhian Teasdaley Hester Chambers logra conservar su identidad l\u00fadica y sarc\u00e1stica, pero ampl\u00eda su espectro emocional con canciones que apuestan por la ternura sin perder la picard\u00eda ni el carisma que los volvi\u00f3 hipn\u00f3ticos<\/strong>.\u00a0El arranque con \u00abCPR<\/a>\u00bb marca el tono de su mecanismo creativo: es confesional, casi teatral y sexy, y convierte la fragilidad del encanto en una performance de urgencia. El costado m\u00e1s confrontativo de su ADN sigue ah\u00ed, especialmente en canciones como \u00abCatch These Fists<\/a>\u00ab, mientras que \u201cPond Song<\/a>\u201d se caracteriza por su romanticismo nerd, po\u00e9tico y confesional. Moisturizer es, sobre todo, un disco sobre el amor en sus distintas formas, con esa chispa de insurgencia que no se apaga casi en ning\u00fan momento. – Lucas Santomero<\/p>\n

05. Rosal\u00eda – Lux<\/p>\n

Columbia Records<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

A lo largo de su carrera Rosal\u00eda<\/strong><\/a> cambi\u00f3 de forma varias veces. Tres a\u00f1os despu\u00e9s del estallido de Motomami, muta otra vez con Lux<\/strong>, un disco en donde se despoja del artificio del hit para construir un cuerpo sonoro en cuatro movimientos. Cada fragmento est\u00e1 tallado con una precisi\u00f3n que por momentos resulta abrumadora, pero es justamente ese exceso (esa voluntad de totalidad) lo que atrae<\/strong>. Con Lux, la catalana se confirma como una de las artistas pop m\u00e1s visionarias de nuestra generaci\u00f3n, capaz de convertir la fama en un espacio de reflexi\u00f3n est\u00e9tica y en un dispositivo de trascendencia. Lux pretende que te tomes el tiempo de sentarse y escucharlo con paz total. Es un disco que se medita y atraviesa, no se consume: pide tiempo, atenci\u00f3n, y cierto abandono del control y el frenetismo<\/strong>. A cambio, ofrece una experiencia que trasciende la escucha: un estado de inmersi\u00f3n en la propia luz. – Fiore Gonzalo<\/p>\n

4. Juana Aguirre – An\u00f3nimo<\/p>\n

Independiente<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

El segundo disco de la cantautora y productora argentina suena artesanal y futurista al mismo tiempo. En\u00a0An\u00f3nimo<\/strong>\u00a0hay guitarras ac\u00fasticas, percusiones que crepitan como fuego y capas de sintetizadores que evocan la intimidad de una habitaci\u00f3n llena de cables.\u00a0Juana Aguirre<\/a> disuelve los l\u00edmites entre composici\u00f3n y producci\u00f3n: todo sucede en el mismo momento, sin jerarqu\u00edas ni pasos preestablecidos. Por eso el disco no impone sentidos, los abre. Las canciones combinan amplitud mel\u00f3dica con una voz que susurra m\u00e1s que grita, que prefiere la pregunta a la sentencia<\/strong>. Hay algo en\u00a0An\u00f3nimo\u00a0que remite a lo colectivo, al dolor \u00edntimo, y a la ternura como forma de atravesarlo. La ambig\u00fcedad funciona como una llave: no hace falta entender del todo para dejarse afectar. Aguirre escribe un mapa emocional de los tiempos que corren, y lo hace sin solemnidad ni alarde, con una honestidad que vibra en cada rinc\u00f3n del disco.\u00a0An\u00f3nimo\u00a0no busca explicar, sino acompa\u00f1ar, como quien escucha antes de hablar.\u00a0– Valentina Gigena<\/p>\n

3. Marilina Bertoldi – Para quien trabajas vol. I<\/p>\n

Sony Music Entertainment Argentina<\/p>\n

\"Para<\/p>\n

Despu\u00e9s de presentarse en el Festival Buena Vibra en febrero,\u00a0Marilina Bertoldi<\/a><\/strong>\u00a0anunci\u00f3 en las enormes pantallas del predio que su nuevo disco llegar\u00eda en mayo, y cumpli\u00f3. A fines de un febrero caluroso \u2014y con un clima social a tono\u2014, la ganadora del Gardel de Oro dio un show en formato d\u00fao donde dej\u00f3 ver un primer adelanto de\u00a0Para quien trabajas vol. I<\/strong>: loops en capas, presencia fuerte del sampling, sintetizadores y bater\u00edas aceleradas y feroces.\u00a0Entre la pregunta que define una \u00e9poca y la figura del autoexplotado de tiempo completo,<\/strong> Bertoldi entreg\u00f3 un \u00e1lbum tan esperado como singular<\/strong>, donde conviven gui\u00f1os a\u00a0Charly Garc\u00eda<\/a>\u00a0y\u00a0Luca Prodan<\/a>\u00a0con un sonido propio, que combina herramientas digitales, guitarras filosas, cr\u00edtica social y canciones de amor. –\u00a0Juan P\u00e9rgola<\/p>\n

02. Geese – Getting Killed<\/p>\n

Partisan \/ PIAS<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

Son pocos los discos de rock que logran reconfigurar su f\u00f3rmula matriz y sorprender con algo nuevo e inesperado. En\u00a0Getting Killed<\/strong>, Geese<\/strong> <\/a>lo logra con \u00edmpetu a trav\u00e9s de una obra extra\u00f1a, err\u00e1tica, y ca\u00f3tica que resulta tan intensa como magn\u00e9tica desde la primera escucha. Grabado en apenas diez d\u00edas junto al productor Kenneth Blume (m\u00e1s conocido como Kenny Beats<\/strong>), el tercer disco del conjunto neoyorkino se apoya sobre riffs de guitarra punzantes, trombones, coros celestiales y pendulares, ritmos cambiantes y, sobre todo, la voz infecciosa del l\u00edder y vocalista Cameron Winter<\/strong>: una mezcla improbable entre Thom Yorke, Mick Jagger y un cantante g\u00f3spel que, lejos de contrastar, se vuelve un registro inconfundible.<\/p>\n

La banda parece haber cambiado su veneraci\u00f3n por el rock cl\u00e1sico de sus discos anteriores por un desd\u00e9n l\u00fadico hacia la propia idea de la m\u00fasica: divertirse, jugar. Las once canciones que componen\u00a0Getting Killed\u00a0avanzan como criaturas inquietas. Mientras algunas adoptan la forma de balada cl\u00e1sica\u00a0 \u2014o todo lo \u201ccl\u00e1sico\u201d que Geese concede\u2014, como en \u201cCobra<\/a>\u201d, hay otras que se internan en experimentos repetitivos, obsesivos (\u201cTrinidad<\/a>\u201d, \u201c1000 Horses<\/a>\u201d). Es justamente ese gesto \u2014oscilar entre la ternura desgarradora y la ferocidad que quema los bordes del disco\u2014 lo que hace de\u00a0Getting Killed\u00a0su obra m\u00e1s \u00edntima y m\u00e1s arriesgada<\/strong>. Una apuesta por el salto al vac\u00edo que, sin dudas, sali\u00f3 bien. – Lucas Santomero<\/p>\n

01. Juana Molina – Doga<\/p>\n

Sonamos \/ RGS<\/p>\n

\"Portada<\/p>\n

En la obra de Juana Molina<\/a><\/strong> siempre hay algo que se corre de lugar. Su m\u00fasica suena cercana y, al mismo tiempo, construye su propia rareza. En Doga<\/strong>, su octavo disco, esa condici\u00f3n se intensifica: convierte la extra\u00f1eza en lenguaje propio y la intimidad en un espacio de exploraci\u00f3n permanente<\/strong>.\u00a0<\/p>\n

El proceso de creaci\u00f3n de Doga se desarroll\u00f3 a lo largo de varios a\u00f1os de trabajo intermitente. Entre 2019 y 2024, Juana Molina grab\u00f3 m\u00e1s de treinta horas de material en sesiones de improvisaci\u00f3n junto a Od\u00edn Schwartz<\/strong>. A partir de ese archivo extenso, realiz\u00f3 un trabajo de selecci\u00f3n y edici\u00f3n junto al productor Emilio Haro<\/strong>. El m\u00e9todo fue m\u00e1s cercano a la curadur\u00eda sonora que a la composici\u00f3n tradicional: grabar, escuchar, dejar reposar y luego organizar.\u00a0<\/strong><\/p>\n

El tracklist de Doga avanza como una secuencia de escenas sonoras donde la l\u00f3gica escapa el formato de canci\u00f3n tradicional para ubicarse en el movimiento interno de cada pieza. Sintetizadores, guitarras y loops se organizan como un sistema vivo que se ajusta sobre la marcha<\/strong><\/strong> mientras<\/strong> la voz no ocupa un centro estable: aparece, se repliega, se vuelve parte del paisaje.<\/strong> <\/p>\n

Hay algo l\u00fadico en la m\u00fasica, una forma de juego atravesada por una concentraci\u00f3n f\u00e9rrea. Sus canciones parecen nacer de ese di\u00e1logo constante entre disciplina y desorden, entre intuici\u00f3n y control, entre el ruido y la forma<\/strong>. En \u201cUno es \u00e1rbol<\/a>\u201d, la primera canci\u00f3n, la repetici\u00f3n funciona como un mantra: la voz gira sobre las mismas frases hasta volverlas materia r\u00edtmica, y el sentido se desplaza hacia un estado hipn\u00f3tico. En \u201cCaravanas<\/a>\u201d, Juana construye un juego de voces et\u00e9reas, dispuesto como un canto circular que remite a lo ritual.<\/p>\n

A mitad del \u00e1lbum, la escucha adopta un tono abiertamente on\u00edrico con \u201cSiestas ah\u00ed<\/a>\u201d: una pausa luminosa con la voz suspendida sobre un pulso suave y envolvente. Hacia el final, Doga lleva la experiencia sonora hacia su punto m\u00e1s extremo<\/strong>. \u201cMiro todo<\/a>\u201d empuja al disco a su zona m\u00e1s experimental: una canci\u00f3n de 9 minutos donde a voz se vuelve ininteligible y funciona como un elemento m\u00e1s del entramado; y el \u00faltimo track,\u201cRina soi<\/a>\u201d. propone un viaje cambiante que cruza estados, texturas y densidades durante casi diez minutos.\u00a0<\/p>\n

Doga consolida a Juana Molina como una artista que sigue creando desde un lugar propio, ajeno a modas, escenas o demandas externas. No propone respuestas ni busca formas cerradas: trabaja sobre procesos, estados, transformaciones<\/strong>. Nada queda fijo, nada se resuelve del todo. Y en esa inestabilidad permanente reside la fuerza de un disco que sigue respirando incluso despu\u00e9s de haber terminado. – Juampa Barbero<\/p>\n

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