Los cuernos de don Friolera, en Teatros del Canal<\/p>\n
La se\u00f1orita de Trev\u00e9lez, en el Teatro Fern\u00e1n G\u00f3mez<\/p>\n Los dos hidalgos de Verona, por la Compa\u00f1\u00eda Nacional de Teatro Cl\u00e1sico<\/p>\n Despu\u00e9s de una celebrada versi\u00f3n de La vida es sue\u00f1o, en 2023, regres\u00f3 Declan Donnellan<\/b> a la Compa\u00f1\u00eda Nacional de Teatro Cl\u00e1sico para dirigir esta obra de juventud de William Shakespeare<\/b>, a la que imprime dinamismo y equilibrio. Alrededor de una escenograf\u00eda reducida a la m\u00ednima expresi\u00f3n, se desarrollan las andanzas de una pareja de amigos, donde el amor y la amistad pugnan entre deslealtades. El aprovechamiento del texto es magistral por parte del director brit\u00e1nico, acentuando la expresividad gestual. Alfredo Noval <\/b>demuestra de nuevo sus dotes privilegiadas que ya advertimos cuando sali\u00f3 de un agujero como Segismundo. Alberto G\u00f3mez Taboada<\/b> firma como Turio algunas potentes escenas junto a Noval, quiz\u00e1s las de mayor carga dram\u00e1tica de la funci\u00f3n, rematadas en un colorista karaoke shakesperiano que anima el cotarro antes de la resoluci\u00f3n. No olvidemos citar a Goizalde N\u00fa\u00f1ez <\/b>y Jorge Basanta,\u00a0<\/b>ambos con reconocida vis c\u00f3mica, para redondear este fresco divertimento.<\/p>\n Orest\u00edada, en el Teatro de La Abad\u00eda<\/p>\n Ernesto Caballero<\/b> persigue \u00abdotar de emoci\u00f3n, belleza y conmoci\u00f3n esc\u00e9nica al pensamiento\u00bb, empe\u00f1o que logra con vibrante pulso en esta versi\u00f3n de la Orest\u00edada que firma Karina Garantiv\u00e1<\/b>. En el Teatro de la Abad\u00eda se levantaron interrogantes planteados en la Antigua Grecia hace milenios, que todav\u00eda sobrevuelan nuestras mentes del siglo XXI. La acci\u00f3n se hilvana habilmente, envuelta en la humareda del saqueo y la sangre derramada. Perfiles y sombras surgen bajo una\u00a0 iluminaci\u00f3n integrada en escena mediante focos m\u00f3viles, dotando de un aire m\u00e1gico y din\u00e1mico a las apariciones, mientras la m\u00fasica de Bastian Iglesias<\/b> parece oficiar un acto de ilusionismo. Una est\u00e9tica poderosa, deslumbrante y atemporal donde destaca la soberbia recreaci\u00f3n de Gabriel Garbisu <\/b>como Agamen\u00f3n, el poderoso magnetismo de Marta Poveda<\/b>, la versatilidad de Alberto Fonseca<\/b>, la fresca pureza de Nicol\u00e1s Illoro<\/b> y el aire sacrificial de Olivia Baglivi<\/b>. Un espect\u00e1culo comprometido y profundo, que rememora aquellos tiempos en que la pulsi\u00f3n feroz se torn\u00f3 en reflexi\u00f3n ontol\u00f3gica, acometido por la compa\u00f1\u00eda Teatro Urgente<\/b>.<\/p>\n Orlando,\u00a0en el Centro Dram\u00e1tico Nacional<\/p>\n Marta Pazos<\/b> sigue ampliando los tonos de su crom\u00e1tico sentido de la dramaturgia con un compleja adaptaci\u00f3n de la inclasificable novela de Virginia Woolf<\/b>, Orlando. Te\u00f1ida de verde, bajo una abrumadora concepci\u00f3n visual y esc\u00e9nica, firm\u00f3 su m\u00e1s ambicioso trabajo hasta el momento. El apartado t\u00e9cnico result\u00f3 apabullante, posibilitando un carrusel de sorpresas donde deslumbr\u00f3 el fastuoso vestuario de Agust\u00edn Petronio, la m\u00e1gica iluminaci\u00f3n de Nuno Meira y el sustento musical de Hugo Torres. Laia Manzanares <\/b>despunt\u00f3 en el papel principal, aportando una seducci\u00f3n natural rematada en bella desnudez. No podemos olvidarnos de Jorge Kent<\/b>, actor magn\u00edfico que ha encadenado varios primeros papeles a lo largo de este a\u00f1o. Paco Ochoa y Nao Albet aportan lucidos momentos para redondear la mejor\u00a0producci\u00f3n del Centro Dram\u00e1tico Nacional<\/b> en 2025. Gozosa embriaguez ba\u00f1ada en verde.<\/p>\n A fuego, en el Teatro de La Abad\u00eda<\/p>\n Er\u00f3strato fue un ciudadano de \u00c9feso que prendi\u00f3 fuego a un templo dedicado a Artemisa en el a\u00f1o 356 a. C, con el simple prop\u00f3sito de llamar la atenci\u00f3n de la forma m\u00e1s aparatosa. A partir de ese hecho hist\u00f3rico y de algunas impresiones teatrales, Pablo Macho Otero<\/b> compone un brillante mon\u00f3logo en verso, dirigido por Emma Arquillu\u00e9<\/b> y el propio actor,\u00a0\u00a0donde se enlaza aquel fogoso suceso con el af\u00e1n de reconocimiento que nuestro tiempo cifra en visualizaciones y ‘likes’, apoyado en algunas curiosas coincidencias de fechas. El relato va ganando en dosis de humor, planteando escenas que entran en el terreno del absurdo, pero siempre asentado en una comunicaci\u00f3n directa y atrayente, que capta la atenci\u00f3n del p\u00fablico sin dejar opci\u00f3n a la evasi\u00f3n. El fluido verso<\/b>, con leves notas de lenguaje actual y hasta un rap micro en mano, mantiene la funci\u00f3n con un pulso envidiable, compensado y entretenido, reuni\u00e9ndonos al calor de una lumbre po\u00e9tica.<\/p>\n Fuenteovejuna, por la Compa\u00f1\u00eda Nacional de Teatro Cl\u00e1sico<\/p>\n La gran apuesta de la CNTC este a\u00f1o pasaba por poner el drama\u00a0de Lope de Vega<\/b>\u00a0en manos de Rakel Camacho<\/b>. Surgido entre brumas como una especie de tribu ancestral, el pueblo de Fuenteovejuna se enfrenta al malvado Comendador y sus secuaces, como un organismo vivo y heterog\u00e9neo frente a unos forajidos del ‘far west’. Cantos arcaicos, m\u00fasicas tradicionales, ruidos y percusiones marcan los momentos m\u00e1s intensos de esta gran producci\u00f3n, donde la violencia no se escamotea, hasta culminar en la escena sobrecogedora en que Laurencia (Cristina Mar\u00edn-Mir\u00f3<\/b>) firma un alegato imponente desde su sangrienta desnudez de mujer violada. Los jirones de su vestido, restos de la barbarie, se reciclan como uniforme de batalla para extender una rebeli\u00f3n femenina y punki, envuelta en humaredas rojas y golpes de tambor. Una arriesgada propuesta, descarnada y brutal, con la que Laila Ripoll<\/b> ha asestado un aldabonazo en las puertas del Teatro de la Comedia.<\/p>\n Leonora, en Contempor\u00e1nea Condeduque<\/p>\n Poco m\u00e1s se requiere que contar con una gran actriz y un texto de altura, para concitar la intensidad del hecho esc\u00e9nico que atrapa al espectador irremisiblemente. Algo as\u00ed sucede con Natalia Huarte y Alberto Conejero<\/b>, actriz y escritor, dos talentos unidos en un proyecto que componen un fresco sobre la vida de Leonora Carrington<\/b>, artista que atraves\u00f3 dolorosas vicisitudes. Una mujer rebelde y libre que consigui\u00f3 zafarse de la tutela de su padre y trazar una vida apasionante que la llev\u00f3 hasta M\u00e9xico tras un periplo liberador con funesta parada en Espa\u00f1a. Sin recurrir al micr\u00f3fono, lo cual siempre acrecienta la atenci\u00f3n, Natalia Huarte<\/b> despliega entre las cuatro esquinas de un espacio desnudo, una personalidad transgresora y valiente. Soberbia interpretaci\u00f3n, reveladora. Un mon\u00f3logo sostenido en el talento de una actriz que toma la palabra siempre jugosa y sensible de Conejero para hacerla carne. El silencio se instal\u00f3 en la sala del Centro Condeduque, y as\u00ed lo har\u00e1 all\u00e1 donde se represente esta muestra de teatro esencial y verdadero.<\/p>\n Personas, lugares y cosas, en el\u00a0Teatro Espa\u00f1ol<\/b><\/p>\n El Teatro Espa\u00f1ol ha prestado su imponente caja esc\u00e9nica a uno de nuestros directores m\u00e1s agudos, Pablo Messiez<\/b>, para dejar correr un texto que nos adentra en la mente y las pulsiones del adicto. All\u00e1 se libra una fascinante batalla interior donde la terapia de grupo puebla de personajes un volumen casi vac\u00edo. Irene Escolar<\/b> firma su m\u00e1s entregada interpretaci\u00f3n dando vida a una actriz que agota sus posibilidades de escape y reconoce su vulnerabilidad iniciando una profunda introspecci\u00f3n. Se ha involucrado como productora art\u00edstica de esta obra de Duncan Macmillan<\/b>, un espect\u00e1culo de alto vuelo y voltaje para el que se ha preparado concienzudamente, como nos cont\u00f3 en una reciente entrevista<\/a>. Messiez alcanza de nuevo un resultado sobresaliente, como el conseguido hace unos a\u00f1os en La voluntad de creer, o m\u00e1s recientemente en Calentamiento, excepcional trabajo con Roc\u00edo Molina.\u00a0Un espect\u00e1culo de duraci\u00f3n notable que requiere intermedio, aunque la pausa se convierta en sesi\u00f3n de m\u00fasica electr\u00f3nica. Es una de las sensaciones teatrales del a\u00f1o<\/b> y destapa el universo de las dependencias, que en tantos \u00f3rdenes puede manifestarse.<\/p>\n Aromas de soledad, en el Teatro Fern\u00e1n G\u00f3mez<\/p>\n