{"id":652516,"date":"2026-07-11T08:00:16","date_gmt":"2026-07-11T08:00:16","guid":{"rendered":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/652516\/"},"modified":"2026-07-11T08:00:16","modified_gmt":"2026-07-11T08:00:16","slug":"jasper-johns-cuando-una-bandera-no-es-una-bandera","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/652516\/","title":{"rendered":"Jasper Johns, cuando una bandera no es una bandera"},"content":{"rendered":"<p>Jasper Johns es uno de los grandes renovadores de la pintura contempor\u00e1nea y una figura clave para entender el arte de la segunda mitad del siglo XX. <strong>Cuando en los a\u00f1os cincuenta empez\u00f3 a pintar banderas, dianas, n\u00fameros o mapas no pretend\u00eda representar esos objetos, sino cuestionar c\u00f3mo los miramos<\/strong>. Esta investigaci\u00f3n atraviesa \u00abNight driver\u00bb, la gran retrospectiva que el Museo Guggenheim de Bilbao dedica al artista y que <strong>re\u00fane hasta el pr\u00f3ximo 20 de octubre un total de 140 piezas realizadas a lo largo de seis d\u00e9cadas.<\/strong><\/p>\n<p><strong>Johns (Georgia, 1930) alcanz\u00f3 notoriedad a finales de los a\u00f1os cincuenta con su primera exposici\u00f3n en la galer\u00eda Leo Castelli de Nueva York.<\/strong> Lo hizo en un momento en el que la ciudad se hab\u00eda consolidado como uno de los grandes centros internacionales del arte y el expresionismo abstracto dominaba la escena art\u00edstica. Frente a esa corriente, Johns irrumpi\u00f3 con una pintura aparentemente sencilla y reconocible que tomaba im\u00e1genes cotidianas para replantear los l\u00edmites de la representaci\u00f3n.<\/p>\n<p>En este contexto, Johns irrumpe con unas pinturas planas en las que \u00abplanteaba cuestiones te\u00f3ricas sobre la pintura que ya se hab\u00edan explorado desde la abstracci\u00f3n, pero <strong>la novedad era que sus obras parec\u00edan abstractas a partir de im\u00e1genes cotidianas\u00bb,<\/strong> explica Enrique Juncosa, comisario de la muestra.<\/p>\n<p>En esta \u00e9poca, a Johns le interesaban artistas como Duchamp y Magritte, una tradici\u00f3n conceptual del arte que da importancia a la idea detr\u00e1s del objeto. En realidad, Johns pertenece a esa clase de artistas que obligan al espectador a mirar dos veces. Sus banderas, dianas o series num\u00e9ricas no pretend\u00edan representar esos objetos ni reivindicar su carga simb\u00f3lica. M\u00e1s bien al contrario: <strong>buscaba vaciar el significado que normalmente les atribuimos para obligar al espectador a preguntarse si estaba viendo una bandera o una pintura<\/strong>. \u00abJohns las usa para reflexionar sobre la obra de arte, la percepci\u00f3n, su interpretaci\u00f3n y la representaci\u00f3n\u00bb, incide Juncosa.<\/p>\n<p>Su primera bandera, realizada en 1955, dio origen a una serie de variaciones que, como explica Juncosa, \u00aberan composiciones geom\u00e9tricas, no significaban nada. Johns jugaba con la idea de la figura y el fondo y las convert\u00eda en juegos ling\u00fc\u00edsticos\u00bb. Aquellas primeras pinturas manten\u00edan un car\u00e1cter deliberadamente impersonal. <strong>Ese distanciamiento comenz\u00f3 a cambiar tras la ruptura de su relaci\u00f3n con Robert Rauschenberg en 1961. A partir de entonces aparecieron las llamadas pinturas grises, una producci\u00f3n mucho m\u00e1s introspectiva<\/strong> que Juncosa define como \u00abuna parodia del expresionismo abstracto\u00bb.<\/p>\n<p>Dimensi\u00f3n m\u00e1s personal<\/p>\n<p>Durante los a\u00f1os sesenta, especialmente <strong>entre 1964 y 1972, su obra incorpora una dimensi\u00f3n mucho m\u00e1s personal<\/strong>. <strong>Reaparecen la figura humana, el autorretrato, las referencias a su estudio y las im\u00e1genes de muros<\/strong> y losas que remiten a espacios \u00edntimos. Sin abandonar la reflexi\u00f3n sobre el propio lenguaje de la pintura, Johns comienza a introducir experiencias biogr\u00e1ficas en una obra que hasta entonces hab\u00eda mantenido una calculada distancia emocional.<\/p>\n<p><strong>En 1973 inicia otra de sus grandes series, \u00abTramas cruzadas\u00bb, un nuevo giro en su investigaci\u00f3n pict\u00f3rica.<\/strong> A primera vista parecen composiciones abstractas construidas a partir de un motivo repetitivo, aunque vuelven a cuestionar la tradici\u00f3n abstracta. Los ritmos visuales que crea en estos lienzos hacen pensar que la imagen podr\u00eda expandirse indefinidamente m\u00e1s all\u00e1 de los l\u00edmites del lienzo. Aunque las variaciones crom\u00e1ticas se repiten, se desplazan, se invierten y se superponen, \u00abno hay nada improvisado, son obras realizadas con mucho cuidado\u00bb.<\/p>\n<p>A partir de este momento resulta casi imposible hablar de un \u00fanico Jasper Johns. Su obra responde a los pensamientos e ideas que tiene en cada momento y, en lugar de evolucionar hacia un lugar concreto, avanza en diferentes direcciones. <strong>Ese car\u00e1cter cambiante alcanza uno de sus momentos m\u00e1s \u00edntimos con Las cuatro estaciones, una serie de marcado car\u00e1cter autobiogr\u00e1fico<\/strong>. Inspir\u00e1ndose en obras de Picasso como La sombra o Minotauro cambiando de casa, Johns incorpora la silueta humana para introducir la idea de la sombra del espectador e invitarle a completar el sentido de la imagen.<\/p>\n<p><strong>En esta etapa, adem\u00e1s, las referencias a otros artistas adquieren un protagonismo creciente. Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Edvard Munch, Paul C\u00e9zanne o Frida Kahlo aparecen citados, reinterpretados o filtrados en sus composiciones<\/strong>. M\u00e1s que homenajes, estas apariciones son conversaciones que el artista mantiene con la historia del arte, una manera de compartir una de sus teor\u00edas: ninguna imagen nace aislada y toda pintura dialoga con las que le precedieron.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"Jasper Johns es uno de los grandes renovadores de la pintura contempor\u00e1nea y una figura clave para entender&hellip;\n","protected":false},"author":2,"featured_media":652517,"comment_status":"","ping_status":"","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[173],"tags":[229,2875,233,231,230,232,234,146,147,25,24,983,110502,896,504,119671,23],"class_list":["post-652516","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","category-arte-y-diseno","tag-arte","tag-arte-contemporaneo","tag-arte-y-diseno","tag-arts","tag-arts-and-design","tag-design","tag-diseno","tag-entertainment","tag-entretenimiento","tag-es","tag-espana","tag-guggenheim","tag-marcel-duchamp","tag-nueva-york","tag-pablo-picasso","tag-rene-magritte","tag-spain"],"share_on_mastodon":{"url":"https:\/\/pubeurope.com\/@es\/116900293953462998","error":""},"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/652516","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=652516"}],"version-history":[{"count":0,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/652516\/revisions"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media\/652517"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=652516"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=652516"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/es\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=652516"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}