Intervista all’artista Michele Ciaccioferra | Artribune

Nelle sue opere combina liberamente media e metodi, perseguendo la sua esplorazione della natura, della storia, della mitologia e dell’umanità in rapporto al contemporaneo. Questo è Michele Ciacciofera (Nuoro, 1969), artista di origine sarda, cresciuto in Sicilia, trasferitosi nel 2011 a Parigi, dove attualmente vive e opera. Cittadino del mondo, come lui stesso si definisce, ha esposto in musei, gallerie e fondazioni in Europa, Cina e Africa. Oggi è l’unico italiano a partecipare alla 36° Biennale di San Paolo in Brasile, appena inaugurata. Abbiamo colto l’occasione per intervistarlo e farci raccontare in modo più approfondito come nasce la sua ricerca artistica e come si sviluppa. 

Intervista a Michele Ciaccioferra

Dove nasce la tua ricerca artistica? 
La mia ricerca è nata mentre studiavo Scienze Politiche all’Università di Palermo e giocavo a pallacanestro. In quel periodo ripresi a frequentare Nuoro proprio per ragioni sportive, non avevo ancora vent’anni. Un giorno, quasi per caso, sono andato a far visita al pittore e designer Giovanni Antonio Sulas, amico di famiglia da sempre, con il quale, però, non avevo mai instaurato alcun tipo di rapporto. Sapeva che sin da piccolo avevo una propensione per il disegno, dettaglio sicuramente riportato dalle mie zie materne. Mi chiese di mostrargli i miei lavori offrendomi la possibilità di utilizzare un intero piano del suo studio. 

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Hai condiviso lo studio con uno dei designer più attivi durante l’era del Principe l’Aga Khan in Costa Smeralda. Cosa ha significato rispetto alla tua formazione la presenza di Sulas? 
Durante il giorno lavoravo da solo, ma il confronto con Sulas era costante, sia sul design che sui materiali, quando si trattava di questi argomenti era molto aperto e collaborativo, facevo ricerche sugli oggetti, le tecniche di realizzazione e sulle materie prime che utilizzava. Non parlavamo di pittura, su quell’argomento era, al contrario, assolutamente riservato e mi esortava sempre a guardare in modo temporalmente trasversale la storia dell’arte, osservando con la stessa attenzione l’arte pre-classica e classica in rapporto con quella moderna o contemporanea. Insisteva sul fatto che dovessi continuare con un percorso non ortodosso ma funzionale alla pratica artistica. D’altronde studiavo già la storia contemporanea e antropologia, oggi parte fondamentale del mio magma o bagaglio personale. La mia ricerca, quindi nasce in modo spontaneo e eterogeneo dall’incontro e dalla condivisione con Sulas a cui sono stato legato da grandissima amicizia. 

E poI?
Dopo un paio d’anni decisi di tornare a Palermo dalla mia famiglia, iniziando quindi un percorso assolutamente indipendente. A seguito di una mia mostra (avevo 22 anni) in una galleria d’arte storica, incontrai Giuseppe Quatriglio e Matteo Collura e per quanto ci fosse molta differenza d’età, questi amici mi diedero l’opportunità di frequentare un mondo intellettuali con cui da ragazzo potevo parlare e confrontarmi di letteratura e antropologia culturale, così come di arte, riversando poi, tutto questo nella mia pratica artistica, arrivata sin qui.

La Sardegna nell’arte di Michele Ciaccioferra

Vivi a Parigi da diversi anni ormai, hai viaggiato molto, sei cresciuto a Palermo e sei nato a Nuoro. Quanto è presente la Sardegna nella tua ricerca artistica? 
Dopo essere nato a Nuoro, dall’età di 3 anni ho vissuto a Palermo, dove i miei genitori si erano trasferiti per ragioni di lavoro. Con la famiglia continuavo, in vari periodi dell’anno a tornare in Sardegna, dove avevo profondi legami familiari e con coetanei con i quali ero cresciuto. Subito dopo i diciott’anni, quando mi si offrì la possibilità di tornarci a vivere, non ci pensai due volte. Ho esplorato la mia isola natale in lungo e in largo, mosso dalla curiosità, dalla sete di sapere e dall’amore profondo che ho sempre nutrito per questa terra, un’esigenza non solo psicologica ma quasi fisica. 
Vivo da 15 anni a Parigi ma la Sardegna e la Sicilia restano per me fondamentali. Una delle cose a cui tengo di più è l’idea del confronto fra le due isole: entrambe nel Mediterraneo e vicine fra di loro; eppure, con due nature così diverse, bagnate dallo stesso mare ma così lontane. Quando creo, rifletto sul Mediterraneo con un approccio siciliano e un approccio sardo. Mi sento sardo quanto siciliano. Nella Sicilia riconosco casa mia, in Sardegna ho le radici più profonde, è presente in tutto.

Come si lega tutto questo alla tua poetica artistica e alla Biennale di San Paolo in Brasile? 
Ho da sempre avuto una particolare attenzione per il “microcosmo culturale” e il multinaturalismo, credo che proteggere la diversità sia il modo per arricchire l’eterogeneità del mondo. Questo pensiero è in linea anche con il tema della Biennale: l’umanità come pratica e relazione e io credo che non possa esistere un altro approccio, soprattutto in un’epoca complessa come quella che stiamo vivendo. L’arte deve avere un ruolo nel mondo, positivo, per il mondo e l’artista non può far finta di nulla, anzi, avendo scelto un ruolo che è sociale, politico e poetico è vincolato a perseguire degli obbiettivi che seguano la logica di cui sopra. 

La Biennale di San Paolo

Come sei stato selezionato per la Biennale di San Paolo? 
Nel 2017 ho esposto al Museo MAN di Nuoro l’installazione sonora in terra cruda (sarda) e paglia intitolata The Density of Transparent Wind I, nella mostra Emisferi Sud, voluta dall’allora direttore, Lorenzo Giusti e curata da Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, l’attuale curatore della Biennale di San Paolo. Ho con lui un rapporto intellettuale profondissimo, oltre a quello professionale e umano. Oggi lui è un personaggio pubblico notissimo, nel 2017 non lavorava in Italia. È un pensatore straordinario, ci siamo conosciuti ad un convegno a Venezia sulla creazione artistica e le sue connessioni con le neuroscienze. Le relazioni tra la creazione e i temi del post colonialismo e alla decolonizzazione furono da quel momento sempre presenti nel nostro dialogo. Bonaventure Ndikung è stato anche il co-curatore della mia partecipazione a Documenta14 a Kassel e Atene e successivamente, insieme ad altri curatori ad una mostra straordinaria da Savvy Contemporary a Berlino. La mia partecipazione è stata quindi frutto di una sua scelta, operata congiuntamente agli altri curatori di questa Biennale, in funzione della ricerca e della mia visione che da sempre porto avanti, coerenti con i propositi di questa Biennale. 

Come è nata l’opera con cui partecipi alla Biennale di San Paolo e come si inserisce nel tuo percorso artistico? 
L’opera The Nest of the Eternal Present, è stata commissionata dalla Biennale e sostenuta dall’Istituto Italiano di Cultura a San Paolo e dal Programma IF dell’Institute Français.
Al centro dello spazio ho collocato un grande nido di terra e paglia, al cui interno sono posizionate tre uova e centinaia di piume di uccelli di questa regione del Brasile. Intorno ad esso, quattro grandi totem, realizzati con una tecnica impiegata tradizionalmente nell’edilizia locale chiamata pau a pique, impasto di fango, legno e paglia.