Mākslas pasaules revolūcija 2025. gadā: no Belle Époque plakātiem līdz ķermeņa mākslai
2025. gads mākslas pasaulē neapšaubāmi ir bijis robežu pārvarēšanas un aizraujošu diskusiju gads. Kā informē telekanāls EuroNews, mākslas centru smaguma centrs ir manāmi mainījies. Kamēr Parīze joprojām priecē ar grandioziem pasākumiem, piemēram, Deivida Hockney izstādi Fondation Louis Vuitton un Parīzes Belle Époque plakātu atdzimšanu Musée d’Orsay, aizraujošākie notikumi risinājās ārpus tradicionālajām mākslas metropolēm. Centrālamerikas un Kipras mākslas aina ir guvusi jaunu sparu ar inovatīvām institūcijām un pasākumiem. No Leigh Bowery drosmīgās teatrālitātes Tate Modern līdz Treisijas Emīnas atklātajām atziņām Florencē, šīs izstādes pieprasīja uzmanību ne tikai ar savu saturu, bet arī ar to, kā tās pārveidoja sarunas par mākslas lomu pasaulē. Šis gads apliecināja, ka māksla ir dinamiska un nepārtraukti attīstās, atspoguļojot sabiedrības mainīgo dabu un vērtības.
Parīzes plakātu vizuālā revolūcija
Musée d’Orsay piedāvātā izstāde par Belle Époque plakātu kultūru, lai arī veltīta 19. gadsimta reklāmai, šķita pārsteidzoši aktuāla. Nepilnu 230 darbu kolekcija, kurā bija iekļauti tādi meistari kā Anrī de Tulūzs-Lots, Alfons Mucha, Žils Chéret un Nabis mākslinieki, demonstrēja, kā ilustrētie plakāti pārvērta Parīzi par vizuālu rotaļu laukumu. Tas, kas izstādi padarīja īpaši rezonējošu, bija uzmanība pret ielu kā galeriju un diskusiju laukumu. Morris kolonas un reklāmas nesēji nebija tikai šarmanti vēsturiski fakti; tie bija tā laika sociālie mediji. Izstāde gudri pozicionēja plakātu mākslu kā radikālu demokrātiju – “mākslu visiem” pirms jebkādas pieejamības “hastagošanas”. Sadarbībā ar Francijas Nacionālo bibliotēku organizētā izstāde bija pirmā šāda mēroga ekspozīcija, kas veltīta “plakātu meistariem”, pārliecinoši pierādot komerciālās mākslas nozīmīgumu.
Centrālamerikas mākslas uzplaukums: Bukhara biennāle
Centrālamerikas laikmetīgās mākslas aina paziņoja par savu ierašanos ar nopietnu nodomu, kad pirmais Bukhara Biennāle pārvērta Uzbekistānas pilsētas medreses un karavanserājus par izstāžu telpām. Kuratore Diāna Kempbela, kuras darba nosaukums bija “Receptes salauztām sirdīm”, desmit nedēļu garumā pulcēja vairāk nekā 70 starptautiskus māksliniekus kopā ar vietējiem Uzbekistānas amatniekiem, piešķirot tiem vienādu nozīmīgumu. Koncepcija, kas balstīta uz Ibn Sinas mītu par plova izgudrošanu, lai izārstētu iemīlējušos princi, gudri iztaujāja, kurš saņem atzinību sadarbības praksēs. Senatnes arhitektūra, kas iekļauta UNESCO mantojumā, tika nevis vienkārši izmantota kā fons, bet gan veicināja sarunas starp iedzīvotājiem un apmeklētājiem par mantojumu un mūsdienu identitāti. Ar tādiem māksliniekiem kā Entoni Gormlijs un Slavs and Tatars kopā ar vietējiem veidotājiem un patiesa dialoga vietā izpaliekot “žetonismam”, biennāle piedāvāja jaunu modeli starptautiskām biennālēm laikmetā, kad rodas “pasākumu nogurums”.
Leigh Bowery: Ķermeņa, seksualitātes un mākslas dekonstrukcija
Tate Modern veltītā Leigh Bowery izstāde bija sen gaidīta atzinība māksliniekam, kurš atteicās no kategorizācijas. Izstāde aptvēra performanci, klubu kultūru, modi un ķermeņa mākslu, jo Bowery nekad neredzēja robežas starp tām. Viņa ikoniskie “Looks” (kostīmi šķiet pārāk ierobežojoši) tika izstādīti kopā ar sadarbības darbiem ar tādiem māksliniekiem kā Lukians Freids un Maikls Klārks, parādot, kā Bowery pārzīmēja apģērbu kā skulptūru un savu ķermeni kā formu mainošu rīku. Tas radīja gan 80. un 90. gadu Londonas naktsdzīves portretu, gan nopietnu refleksiju par to, kā Bowery drosmīgā pieeja dzimumam, seksualitātei un estētikai turpina rezonēt. Izstāde neattīrīja viņa provokācijas vai ekscesus; tā vietā tā svinēja to, kā viņš izaicināja pieklājības normas, radot patiesi novatorisku vizuālo kultūru.
Kipras mākslas aina ienāk pasaules arēnā: VIMA Art Fair
Kipras mākslas aina ieguva savu brīdi globālajā mākslas arēnā ar VIMA, salas pirmo starptautisko laikmetīgās mākslas izstādi. Notikums, kas norisinājās pārveidotā Limasolas vīna darītavā ar skatu uz jūru, šķita atsvaidzinoši intīms, salīdzinot ar nogurdinošo Bāzeles-Maiami-Parīzes apriti. Divdesmit septiņas galerijas no Kipras, Grieķijas, Libānas, AAE, Nigērijas, Lielbritānijas un citām valstīm veidoja argumentu par Kipru kā vitālu krustpunktu starp Eiropu, Tuvajiem Austrumiem un Āfriku. Mākslinieku saraksts bija iespaidīgs – The Breeder no Atēnām, Tiwani Contemporary, The Third Line no Dubaijas – taču svarīgākais bija patiesais dialogs, ko VIMA veicināja starp reģionālajām ekosistēmām. Kuratora Ludovika Delalande lielais projekts “Saules pēcnācēji” konceptuāli stiprināja izstādi, savukārt sarunas un performances uzturēja augstu enerģiju. Debijas pasākumam tas pārsniedza visas gaidas.
Deivids Hockney: 25 gadi radošās izaugsmes
Šī plašā izstāde Fondation Louis Vuitton, lai arī bija pieteikta kā koncentrēta uz pēdējiem 25 gadiem, koķetējiņš ieskatījās pagātnē līdz pat 1955. gadam, sākot ar 18 gadus vecā Hockney portretu viņa grāmatveža tēvam. Vairāk nekā 400 darbi piepildīja Franka Gehry projektēto ēku, aptverot gleznas, digitālos darbus, kas radīti uz iPhone un iPad, kā arī iespaidīgas video instalācijas. Tas, kas varēja šķist pārmērīgi, demonstrēja mākslinieku, kurš joprojām eksperimentē un ir zinātkārs. Starptautiskie aizņēmumi bija iespaidīgi – institūcijas no Oslo līdz Melburnai sniedza savus darbus –, un Hockney personīgā iesaiste katrā detaļā bija acīmredzama. Tā bija mākslinieka lielākā izstāde jebkad, un neparasta – viens kritiķis pat ziņoja par aizkustinājumu līdz asarām.
Centrālamerikas mākslas muzeja dzimšana: Almaty Museum of Arts
Kopā ar Bukhara Biennāli septembris iezīmēja vēl vienu nozīmīgu brīdi Centrālāzijas laikmetīgās mākslas attīstībā, kad durvis vēra Almaty Mākslas muzejs. Uzņēmēja Nurlana Smagulova finansētais un Chapman Taylor projektētais muzejs, kura arhitektūras iezīmes atgādina Tjanšana kalnus, kļuva par reģiona pirmo privāto modernās un laikmetīgās mākslas muzeju. Inaugurācijas izstāde savienoja 700 darbu kolekciju no Kazahstānas un Centrālāzijas ar Almagulas Menlibajevas retrospektīvu, kuras mītu, atmiņu un ģeogrāfijas izpēte noteica izstādes toni. Āra komisiijas no Jinkas Šonibares un Žaumes Plensas, kā arī Artist Rooms izstādes ar Ričardu Seru un Jajoi Kusama demonstrēja ambīcijas, kas pārsniedza reģionālo fokusu. Mākslinieciskā direktore Meruyert Kaliyeva pozicionēja muzeju kā tiltu starp paaudzēm, sākot no tiem, kas pakļāva sevi riskam padomju laikā, līdz mūsdienu praktiķiem.
Giacometti un laikmetīgās skulptūras dialogs pie Barbican
Barbican visa gada garumā piedāvātā sērija, kas savienoja Alberto Džakometi ar laikmetīgajiem tēlniekiem, šķita patiesi radoša, nevis triks. Sadarbībā ar Fondation Giacometti izstāžu sērija sākās ar Humu Bhabha, tai sekoja Mona Hatoum (ar Līndu Benglis gaidāmo 2026. gadā), radot paaudžu dialogus par nāvi, fragmentāciju, atmiņu un traumu. Džakometi izstieptās, pēckara figūras – viņa atbilde uz Otrā pasaules kara postījumiem un pārdomas par cilvēka formu – atrada patiesu rezonansi ar laikmetīgajiem māksliniekiem, kuri pārstrādāja savus krīzes brīžus. Intīmā jaunā telpa ļāva rūpīgi aplūkot darbus, nevis piedzīvot “bloķeru” pārsātinājumu.
Treisija Emīna: “Sekss un vientulība” Florencē
Treisijas Emīnas pirmā nozīmīgā itāļu institucionālā izstāde atnesa viņas atklātības intensitāti uz Floreņces Palazzo Strozzi. Kuratora Arturo Galansino veidotā “Sekss un vientulība” prezentēja vairāk nekā 60 darbus, tostarp gleznas, zīmējumus, izšuvumus, neona gaismas un skulptūras. Scenārijs bija svarīgs: Emīnas brutālie ķermeņa un vēlēšanās izpētījumi radīja provokatīvu mijiedarbību ar Floreņces renesanses mantojumu, vienlaikus pozicionējot viņu pilsētas bagātajā mākslas vēsturē. Darbi, kas aptvēra mīlestību, zaudējumu, slimības un atveseļošanos, šķita aktuāli un vienlaikus atklāti un ārkārtīgi neaizsargāti. Lai gan darbu laika tvērums bija plašs, Emīna pirms izstādes atklāšanas intervijā uzsvēra, ka tā “nav aptauja”. “Man nepatīk veidot aptauju izstādes vai retrospekcijas. Man patīk būt dzīvam tagadnē,” viņa teica.
Kīfers un Van Gogs: cieņpilna saruna
Karaliskās akadēmijas intīmā trīs istabu izstāde atklāja, kā Vinsents van Gogs ir vajājis Anselmu Kīferu gandrīz 60 gadus. Tā sākās ar 18 gadus vecu Kīferu, kurš saņēma ceļojuma stipendiju, lai sekotu Van Goga ceļam no Nīderlandes caur Beļģiju uz Arlesu. Kopīgi ar Amsterdamas Van Goga muzeju izveidotā izstāde savienoja abu mākslinieku darbus, lai atklātu kopīgās rūpes par mitoloģiju, filozofiju un vēstures smagumu, vienlaikus respektējot viņu atšķirīgās pieejas. Kīfera monumentālās gleznas un skulptūras – ko ietekmējis Van Goga novatoriskais postimpresionisms – ieguva jaunu kontekstu, savukārt Van Goga pēdējie 1890. gada darbi šķita jaunāki. Jauni Kīfera darbi, kas tika izstādīti pirmo reizi, apliecināja, ka viņš joprojām pēta šo sākotnējo sastapšanos. Fokusētā prezentācija ļāva skatītājiem izsekot ietekmi, nepārspīlējot savienojumu.
Dolce & Gabbana: divu kultūru saskarsme Grand Palais
Mode ieguva savu muzeja brīdi, kad Domeniko Dolce un Stefano Gabbana pārņēma Parīzes Grand Palais, lai atzīmētu 40 gadus ilgu maksimālistisku vīziju. Pēc Milānas debijas “Du Coeur à La Main” izvērsās 1200 kvadrātmetros un trīs stāvos Parīzē, piedāvājot 200 Alta Moda un Alta Sartoria tērpus, 300 rokām darinātas aksesuārus un 130 mākslas darbus, kas izkārtoti 12 elpu aizraujošās ainās. Kuratore Florence Müller veiksmīgi pozicionēja D&G amatu ietvaros Itālijas plašākā mākslas mantojuma. Tuvplānā apskatot viņu māksliniecisko meistarību (tās pirmās rindas vietas, kuras lielākā daļa no mums nekad nesaņem), atklājās tīra meistarība zem teatrālā pārmērības.