{"id":418565,"date":"2026-06-15T13:12:20","date_gmt":"2026-06-15T13:12:20","guid":{"rendered":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/418565\/"},"modified":"2026-06-15T13:12:20","modified_gmt":"2026-06-15T13:12:20","slug":"morre-david-hockney-pintor-pop-de-cores-vibrantes-aos-88-12-06-2026-ilustrada","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/418565\/","title":{"rendered":"Morre David Hockney, pintor pop de cores vibrantes, aos 88 – 12\/06\/2026 – Ilustrada"},"content":{"rendered":"

David Hockney<\/a>, o artista ingl\u00eas cujas pinturas habilmente projetadas e elegantemente coloridas voltaram a aten\u00e7\u00e3o para a arte figurativa e narrativa a partir do fim dos anos 1950 e in\u00edcio dos anos 1960, ap\u00f3s anos de dom\u00ednio da abstra\u00e7\u00e3o, morreu na quinta-feira (11) em sua casa em Londres. Ele tinha 88 anos.<\/p>\n

Sua assessora de imprensa, Erica Bolton, confirmou a morte, e a causa n\u00e3o foi divulgada.<\/p>\n

Nascido em Yorkshire, Hockney viveu por anos em Los Angeles, tempo bastante para se definir como “ingl\u00eas los angeleno” e produzir imagens que capturavam a atmosfera ensolarada da cidade t\u00e3o bem quanto a prosa de Joan Didion<\/a>.<\/p>\n

E, apesar da arte considerada conservadora, ele era progressista em pelo menos um aspecto: foi um dos primeiros artistas populares de seu tempo a criar obras com conte\u00fado gay <\/a>sem disfarces e um dos poucos a se posicionar publicamente contra a censura de imagens homossexuais.<\/p>\n

Sua morte ocorreu nove meses ap\u00f3s o fim de uma ampla mostra retrospectiva de sua obra na Funda\u00e7\u00e3o Louis Vuitton<\/a>, em Paris. Mas, mesmo naquele momento, ele n\u00e3o havia terminado. Trabalhando em seu ateli\u00ea em Londres, usando cadeira de rodas, com a sa\u00fade debilitada, ele continuou a pintar.<\/p>\n

“Eu simplesmente sigo com meu trabalho”, disse ele ao The New York Times antes da abertura da exposi\u00e7\u00e3o, em abril de 2025. “Quando eu voltar de Paris, vou continuar pintando.”<\/p>\n

E assim ele fez, continuando uma arte virtuosa, de base gr\u00e1fica, fundamentalmente ilustrativa, que existia em grande parte \u00e0 margem das mudan\u00e7as nas modas do mercado contempor\u00e2neo; que se reproduzia bem em m\u00eddia impressa e digital; e que, numa sucess\u00e3o de grandes exposi\u00e7\u00f5es institucionais, atraiu a aten\u00e7\u00e3o popular ao longo de seis d\u00e9cadas.<\/p>\n

David Hockney nasceu em uma fam\u00edlia de classe trabalhadora na pequena cidade industrial de Bradford, Yorkshire, em 9 de julho de 1937, um de cinco filhos. Seu pai, Kenneth Hockeny, era um restaurador de carrinhos de beb\u00ea e um fervoroso militante contra armas nucleares.<\/p>\n

Sua m\u00e3e, Laura Thompson Hockney, de quem era bastante pr\u00f3ximo, foi objeto frequente de seus retratos. David manteve la\u00e7os estreitos com os pais, voltando anualmente para passar o Natal com eles at\u00e9 o fim de suas vidas. Ele compartilhava a pol\u00edtica do Partido Trabalhista deles e o pacifismo do pai.<\/p>\n

Visto como um talento desde cedo, Hockney ganhou uma bolsa de estudos para uma escola de arte local. Diante da chance de convoca\u00e7\u00e3o para o Ex\u00e9rcito Brit\u00e2nico no fim da adolesc\u00eancia, declarou-se objetor de consci\u00eancia e cumpriu dois anos de servi\u00e7o alternativo como auxiliar de hospital.<\/p>\n

Em 1959, matriculou-se no Royal College of Art<\/a>, em Londres. A experi\u00eancia de ver uma grande mostra de Picasso na Tate Gallery<\/a> no ano seguinte refor\u00e7ou o artista como um her\u00f3i pessoal para Hockney.<\/p>\n

Uma viagem a Nova York em 1961 firmou sua atra\u00e7\u00e3o pelos Estados Unidos, que para ele parecia menos sexualmente repressivo do que a Inglaterra. Inspirado por sua estadia, ele fez gravuras baseadas na s\u00e9rie de pinturas de William Hogarth<\/a> “A Rake’s Progress” (O Progresso de um Libertino), mas repensou o conto moral do s\u00e9culo XVIII \u2014sobre a queda de um jovem na perdi\u00e7\u00e3o\u2014 \u00e0 luz do s\u00e9culo XX.<\/p>\n

Hockney fez o her\u00f3i paquerar corredores no Central Park<\/a>, beber em bares gays e ir \u00e0 cadeia. Os epis\u00f3dios foram retratados em um estilo diferente: meio abstrato, mas fundamentado em detalhes realistas.<\/p>\n

Ao terminar a s\u00e9rie, ele pr\u00f3prio tinha um visual marcante, com um guarda-roupa de cores vibrantes composto por ternos xadrez, camisas listradas de futebol e meias coloridas descombinadas, \u00f3culos redondos e cabelo loiro descolorido.<\/p>\n

Com uma medalha de ouro dada pela Royal Academy \u2014recebida enquanto o artista usava uma jaqueta de lam\u00ea dourado na cerim\u00f4nia\u2014 e representa\u00e7\u00e3o garantida em uma galeria de Londres, Hockney era uma estrela brit\u00e2nica em ascens\u00e3o.<\/p>\n

Sua reputa\u00e7\u00e3o se espalhou para Nova York em 1963, quando fez uma segunda viagem e conheceu Henry Geldzahler<\/a>, o rec\u00e9m-nomeado curador de arte do s\u00e9culo XX do Met, que se tornaria um amigo pr\u00f3ximo e influente.<\/p>\n

No ano seguinte, Hockney visitou Los Angeles pela primeira vez. Algumas de suas pinturas mais famosas, muitas incluindo imagens de piscinas, foram feitas l\u00e1, identificando-o como o artista por excel\u00eancia da vida de lazer dos novos-ricos do sul da Calif\u00f3rnia.<\/p>\n

Em 1966, enquanto lecionava na Universidade da Calif\u00f3rnia, ele conheceu Peter Schlesinger<\/a>, um estudante que se tornou seu modelo, musa e amante. As muitas pinturas e desenhos que fez dele \u2014em Los Angeles e Londres e em suas frequentes viagens\u2014 constituem uma cr\u00f4nica cont\u00ednua de seu relacionamento.<\/p>\n

Um filme de 1974 de Jack Hazan, “A Bigger Splash”, nomeado em homenagem a uma das pinturas de piscina de Hockney, mas editado em grande parte sem sua participa\u00e7\u00e3o, dramatizou a separa\u00e7\u00e3o do casal em 1971.<\/p>\n

Retratos duplos<\/p>\n

Com os anos, Hockney transitou entre ateli\u00eas nos Estados Unidos e na Europa. Sua produ\u00e7\u00e3o prodigiosa permaneceu consistente. N\u00e3o importava onde estivesse ou o que estivesse acontecendo, ele trabalhava, frequentemente experimentando m\u00eddias novas.<\/p>\n

A pintura foi sua maior preocupa\u00e7\u00e3o em meados e no final dos anos 1960, quando fez v\u00e1rios renomados retratos duplos: um do escritor brit\u00e2nico Christopher Isherwood<\/a> e seu parceiro Don Bachardy<\/a> em sua casa em Santa Monica; outro de Geldzahler e seu parceiro Christopher Scott em Nova York; e um terceiro dos colecionadores de Los Angeles Fred e Marcia Weisman em seu jardim de esculturas em Los Angeles.<\/p>\n

Hockney se esfor\u00e7ava para romper o que considerava pinturas excessivamente realistas. Ele usou a fotografia como uma ferramenta disruptiva, que inicialmente usava para auxiliar sua mem\u00f3ria, tirando fotos por onde ia e consultando-as quando pintava.<\/p>\n

Por volta de 1970, come\u00e7ou a colar fotos em colagens, criando figuras que pareciam ser vistas, ao estilo cubista, de \u00e2ngulos ligeiramente diferentes ao mesmo tempo. Inicialmente destinadas como estudos para pinturas, as colagens tornaram-se um fim em si mesmas e cresceram em complexidade e sofistica\u00e7\u00e3o.<\/p>\n

Quando, em 1982, Hockney foi convidado pelo Centro Pompidou em Paris para fazer uma exposi\u00e7\u00e3o de suas fotografias, come\u00e7ou a experimentar elaborados compostos de Polaroid \u2014criando imagens \u00fanicas, frequentemente figuras, a partir de muitas fotografias individuais dispostas em uma grade.<\/p>\n

Ele ent\u00e3o passou para foto-colagens feitas com uma c\u00e2mera Pentax 110, criando paisagens panor\u00e2micas do sudoeste americano, uma parte dos Estados Unidos que ele particularmente amava. Depois, traduziu a abordagem incremental \u2014usando muitas imagens pequenas para construir uma grande\u2014 para pinturas, compondo no final dos anos 1990 imagens do terreno ondulante do leste de Yorkshire a partir de algo como uma perspectiva a\u00e9rea.<\/p>\n

Arte no palco<\/p>\n

A no\u00e7\u00e3o de Hockney da pintura como um meio imersivo \u2014demonstrada em uma extravag\u00e2ncia digital do final de sua vida baseada em proje\u00e7\u00f5es em grande escala de sua obra, “Bigger & Closer (Not Smaller & Further Away)”\u2014 tamb\u00e9m estava em exibi\u00e7\u00e3o em seus v\u00e1rios e muito elogiados projetos teatrais.<\/p>\n

O mais antigo foi para uma montagem de “Ubu Rei” de Alfred Jarry no Royal Court Theater em Londres em 1966; os outros foram para \u00f3peras.<\/p>\n

Em 1975, o Festival de Glyndebourne<\/a>, na Inglaterra, o convidou para criar os cen\u00e1rios e figurinos para a vers\u00e3o de Stravinsky de “A Rake’s Progress”, com o qual Hockney estava familiarizado. Os efeitos visuais que ele alcan\u00e7ou pelo uso de hachuras lineares ampliadas foram impressionantes, e a produ\u00e7\u00e3o tornou-se uma das mais admiradas de sua \u00e9poca.<\/p>\n

Hockney teve outro sucesso nos palcos em 1981 com “Parade”, programa triplo de um bal\u00e9 de Erik Satie e duas \u00f3peras de Francis Poulenc e Maurice Ravel no Metropolitan Opera<\/a> em Nova York. Seus projetos para “Turandot”, de Puccini<\/a>, “Trist\u00e3o e Isolda”, de Wagner, e “Die Frau Ohne Schatten”, de Strauss, foram extravagantemente pict\u00f3ricos, aproximando sua arte da abstra\u00e7\u00e3o mais do que nunca.<\/p>\n

Cada vez mais opinativo sobre arte conforme a idade, e temperamentalmente contr\u00e1rio, Hockney tornou-se insistente sobre a import\u00e2ncia da figura humana na arte, formulando sua convic\u00e7\u00e3o como imperativo moral.<\/p>\n

Numa declara\u00e7\u00e3o a um jornal em 1979, ele criticou a Tate por favorecer a arte abstrata em suas pol\u00edticas de aquisi\u00e7\u00e3o \u2014confirmando a vis\u00e3o dele, amplamente difundida em certas partes do mundo da arte, como um reacion\u00e1rio est\u00e9tico.<\/p>\n

Mais tarde, ele avan\u00e7ou e promoveu vigorosamente uma teoria altamente contestada de que muitos dos grandes mestres, do Renascimento <\/a>em diante, usaram aux\u00edlios \u00f3pticos, como espelhos e prismas, para alcan\u00e7ar a ilus\u00e3o de realidade em sua arte. Em 2001, para apoiar a sua afirma\u00e7\u00e3o, publicou um livro, “Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters” (Conhecimento Secreto: Redescobrindo as T\u00e9cnicas Perdidas dos Grandes Mestres).<\/p>\n

Apesar do tempo que dedicou \u00e0 defesa dessas teorias, elas eram secund\u00e1rias em rela\u00e7\u00e3o \u00e0 sua produ\u00e7\u00e3o art\u00edstica praticamente ininterrupta, que passou da pintura e do desenho para a gravura experimental e a fotografia. A produ\u00e7\u00e3o seguiu sem interrup\u00e7\u00e3o enquanto viajava, frequentemente de carro, pelos Estados Unidos, Europa e \u00c1sia, muitas vezes em busca de v\u00e1rias experi\u00eancias de luz, seja no Marrocos ou na Noruega \u00e1rtica.<\/p>\n

Hockney come\u00e7ou a usar programas de computa\u00e7\u00e3o gr\u00e1fica j\u00e1 em 1985 e, mais de 30 anos depois, estava fazendo desenhos digitais e usando aplicativos de pintura em seu iPad.<\/p>\n

Em meados da d\u00e9cada de 1980, come\u00e7ou a fazer impress\u00f5es em uma copiadora de escrit\u00f3rio, criando camadas de cor ao passar cada folha repetidamente pela m\u00e1quina, resultando em uma arte trabalhosa produzida por meio de uma tecnologia supostamente econ\u00f4mica em termos de esfor\u00e7o.<\/p>\n

Em 1989, contribuiu com uma impress\u00e3o do tamanho de uma parede para a Bienal de S\u00e3o Paulo<\/a>, enviando a pe\u00e7a inteira para o Brasil por fax.<\/p>\n

Ele deixa seu companheiro, Jean-Pierre Gon\u00e7alves de Lima, e seus irm\u00e3os Philip e John.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"David Hockney, o artista ingl\u00eas cujas pinturas habilmente projetadas e elegantemente coloridas voltaram a aten\u00e7\u00e3o para a arte…\n","protected":false},"author":2,"featured_media":418566,"comment_status":"","ping_status":"","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":"","_share_on_mastodon":"0"},"categories":[144],"tags":[207,205,206,559,203,201,202,8662,204,114,115,236,3670,50879,32,33],"class_list":["post-418565","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","category-arte-e-design","tag-arte","tag-arte-e-design","tag-artedesign","tag-artes-plasticas","tag-arts","tag-arts-and-design","tag-artsanddesign","tag-california","tag-design","tag-entertainment","tag-entretenimento","tag-folha","tag-los-angeles","tag-pop-art","tag-portugal","tag-pt"],"share_on_mastodon":{"url":"https:\/\/pubeurope.com\/@pt\/116754300473878136","error":""},"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/418565","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=418565"}],"version-history":[{"count":0,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/418565\/revisions"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/media\/418566"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=418565"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=418565"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.europesays.com\/pt\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=418565"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}